Mundo das 7 Cordas

SongBook Do Mestre Cartola!.

2009-08-06T19:53:00.000-07:00

Venho novamento postar aqui outro songbook de mais um grande mestre da musica popular brasileira, desta vez se trata do grande mestre "Cartola", pra quem não sabe, cartola foi um dos grandes musicos com quem o mestre dino 7 cordas mais gravou acompanhamentos, então é sempre bom ouvir alguns cds deste mestre da estação primeira!.

Enjoy!

Link:[http://www.4shared.com/document/WFxkwDiv/Songbook_O_Melhor_de_Cartola.html]

Edição: Ygor Furtado

Songbooks De Baden Powell!.

2009-08-06T19:32:00.000-07:00

Estou Colocando a Disposição de quem quiser baixar aqui, os songbooks do grande mestre do violão brasileiro Baden Powell, Não é necessáriamente um violonista de 7 cordas, mais é um grande musico de choro, e o choro é a grande escola da musica brasileira, Então através disso passo para os amigos musicos estes songbooks que irão, eu tenho certeza abrir a mente de muita gente para a musica popular e erudita brasileira!.

Enjoy!

Songbook 1

Link:

[http://www.4shared.com/file/35796535/e5bfc283/Baden_Powell_Songbook_-_Volume_1.html]

Songbook 2

Link:

[http://www.4shared.com/file/35798062/e0b816bd/Baden_Powell_Songbook_-_Volume_2.html]

Songbook 3

Link:

[http://www.4shared.com/file/35798819/3638084a/Baden_Powell_Songbook_-_Volume_3.html]

Edição: Ygor Furtado

O Prazer de Tocar Juntos! (Documentário)

2009-08-02T14:09:00.000-07:00

O média-metragem trata do jeito brasiliense de fazer o choro: o jeito é o mesmo, mas agora jovens músicos buscam novas levadas e emoções que os caracterizam como reformuladores do gênero. A partir dos músicos Hamilton de Holanda (bandolim), Gabriel Grossi (gaita), Rogério Caetano (violão de sete cordas), Daniel Santiago (violão) e Amoy Ribas (percussão), foi concebido um jeito brasiliense de tocar o choro. Entre a forma tradicional de Pixinguinha, Jacob do Bandolim e Waldir Azevedo, o choro em Brasília se renova por influências da música clássica, do Jazz, do Rock e de Hermeto Pascoal.

Todo o tempo, personagens e documentaristas se envolveram entre o que está por trás e na frente das câmaras, contando com o próprio ritmo dos encontros para obter grandes depoimentos ou meras situações. Um registro memorável do começo de uma nova tradição.

Edição: Ygor Furtado

Documentário - Chorinhos e Choros - Antonio Carlos Fortura

2009-08-02T14:01:00.000-07:00

"O Chorinho, música chorosa e sentimental, surgiu no final do século XIX e tem sua origem ligada ao músico Joaquim Antônio da Silva Calado. Gênero cujo repertório derivou da polca, tem como instrumentos característicos a flauta e o bandolim. Os mais conhecidos chorões foram Pixinguinha, Benedito Lacerda, Patápio silva e Altamiro Carrilho, na flauta; Luperce Miranda e Jacob Bittencourt, no bandolim."

Edição: Ygor Furtado

Carioca, suburbano, mulato e malandro (João Nogueira)

2009-08-02T11:25:00.000-07:00

"Um Curta metragem de 79, sobre samba e pra quem gosta de samba, neste curta, imagens raras de grandes mestres da arte popular chamada de "Samba", neste curta aparece o grande mestre "Dino 7 Cordas", vale apena da uma olhada!.

Edição: Ygor Furtado

O melhor do Choro Brasileiro, (Songbook)

2009-06-28T12:20:00.000-07:00

“O choro resistiu a epidemias, pragas, duas guerras mundiais, golpes militares, desprezo de todos os governos, pouco caso das gravadoras, resiste ao massacrante processo de idiotização musical imposto pela globalização do lixo cultural internacional, e vai resistir a tudo. O seu desenvolvimento é permanente e independente de valores impostos. o choro tem seus próprios parâmetros. Quem o conhece na intimidade não se impressiona com vanguardismos pueris e nem se sente pressionado por uma suposta necessidade de adaptação ao som da moda.”

Posto aqui um Songbook com os grandes classicos do choro, intitulado de "O melhor do Choro Brasileiro!"

Links: [http://www.4shared.com/document/Y2Lk6Gio/Songbook_O_Melhor_do_Choro_Bra.html]

[http://www.4shared.com/file/44183335/91678603/Songbook_O_Melhor_do_Choro_Brasileiro_Vol_II.html]

Edição: Ygor Furtado

Canções de Pixinguinha!

2009-06-28T12:00:00.000-07:00

“Músicos, musicólogos e amantes de nossa música podem até discordar de uma coisa ou outra. Afinal, como diria a vizinha gorda e patusca de Nélson Rodrigues, gosto não se discute. Mas, se há um nome acima das preferências individuais, este é Pixinguinha.”

Aqui vai um songbook com algumas canções deste gênio da musica brasileira!.

link: [http://www.4shared.com/file/42827513/cfb2d602/Songbook_-_Chorinho.html]

Edição: Ygor Furtado

Aprendendo com O Mestre, (Dino 7 Cordas)

2009-06-28T10:54:00.000-07:00

No dia 26 de maio de 2006, sexta-feira, o Brasil perdeu uma de suas lendas musicais. Horondino da Silva, mais conhecido como Dino 7 Cordas, faleceu no Rio de Janeiro.Dino foi o mentor de toda uma escola violonística no Brasil. Embora não se atribua a ele a invenção do 7 cordas (Tute teria sido o grande pioneiro), coube a Dino o papel de ser o criador de um estilo que até hoje permanece e que continua se reinventando. Pode-se tranqüilamente afirmar que não há violonista de 7 cordas no Brasil que não tenha sido influenciado direta ou indiretamente pelo Dino.Seu estilo era preciso e fluente, conseguia se destacar sem cobrir ninguém. Sempre tinha uma carta na manga, uma frase musical inesperada e uma criatividade infinita para improvisação.Dino provavelmente encontrou em Raphael Rabello seu maior discípulo. A Raphael coube a tarefa de repensar o violão de 7 cordas e acrescentar-lhe mais repertório e possibilidades. Raphael teve também o mérito de fazer com que Dino, pela primeira vez em décadas de carreira, tivesse seu nome colocado na capa de um disco, em letras garrafais, não apenas nos créditos em letras miúdas.Graças ao trabalho de Dino, existe hoje no Brasil uma grande legião de violonistas de 7 cordas de enorme talento. Nomes como Yamandu Costa, Rogério Caetano e Marcello Gonçalves são representativos de uma geração que tem levado o violão de 7 cordas a um patamar que talvez nem mesmo o próprio Dino tivesse imaginado.

Posto a qui para os fãs deste mestre na arte do 7 cordas, uma análise de sua forma de tocar, É uma tese de mestrado da Unicamp sobre "Analise dos acompanhamentos de Dino Sete Cordas em samba e choro", feita pelo Remo Tarazona Pellegrini.

Link: [http://www.4shared.com/file/92332801/cb0329ac/Pellegrini-7-Cordas.html]

Edição: Ygor Furtado

João Batista Trajano dos Santos.(JB)

2009-04-16T17:30:00.000-07:00

João Batista Trajano dos Santos, mentor e dono da famosa marca JB. Mestre na arte de fabricar instrumentos musicais, sua marca já é conhecida e respeitada no exigente mercado nacional e até internacional.
Nascido em 1954 na cidade de Caaporã, que fica a 50 Km de João Pessoa, em 1974 veio para São Paulo onde trabalhou na fábrica da Giannini permanecendo por 15 anos. Trabalhava paralelamente na fábrica e em casa, optando depois pelo trabalho por conta, vindo a sair da fábrica.
Suas matérias primas vem dos Estados Unidos, Canadá, Alemanha, Japão, Índia, entre outros. Entre as matéias utilizadas, as preferidas são as clássicas como Jacarandá da Bahia, Abeto Europeu e Ébano Indiano, climatizados tecnicamente, e consideradas as melhores do mundo.
Já teve o privilégio de exportar os seus produtos para a Alemanha, Estados Unidos, Japão, Portugal, Peru, África, Itália e Inglaterra sendo conhecido nos quatro cantos do Mundo.

Muitos instrumentistas de técnica, talento e renome invejados, inveja o ouvido de João Batista Trajano dos Santos. Não, JB não toca de ouvido. Nem por música ou necessidade. O homem dos sete instrumentos não toca nenhum. Faz. Ele é luthier, criador, o artesão que sua para o som suar, como diz, na letra de A benção, o compositor Celso Viáfora.
Segundo JB, luteria é capricho, é sonho do músico e seu significado veio com o aparecimento do alaúde (do árabe al laud; laud em espanhol; liuto em italiano; laute em alemão; luth em francês e inglês), instrumento romano de braço torto muito cultivado durante a Idade Média, mas que conseguiu adquirir importância histórica e social no século XV, tornando-se o instrumento do século.
Assim, da palavra luth, surge a figura do luthier, "o alaudeiro" que construía esses instrumentos, e o nome acompanhou o profissional que consatría qualquer instrumento de corda.
Em um conceito mais abrangente e moderno, luthier é o artífice dos instrumentos acústicos. Seu ofício consiste em ouvir o músico, interpretar suas aspirações e transformá-las na realidade de um instrumento de timbre pessoal, único e preciso, sendo uma atividade inter-relacionada com a física, a acústica, a mecânica e a escultura.
No Brasil, a luteria passou a ter real importância a partir das imigrações de europues ocorridas nas últimas décadas do século 19, notadamente por italianos.
João Batista considera a luteria uma terapia e uma arte maior, aliada com a paciência temperada com carinho de um luthier, e o rigor estético que o tempo solidifica.

O artista que sua para o som soar!.

Muito instrumentista de técnica, talento e renome invejados inveja o ouvido de João Batista Trajano dos Santos. Não, JB não toca de ouvido. Nem por música ou necessidade. O home dos sete instrumentos não toca nenhum. Faz. Ele é luthier; criador de instrumentos de corda, o artesão que sua para o som soar, como diz, na letra de A benção, o compositor Celso Viáfora.
A produção total da luteria nativa é nada, num mercado que, no chute, absorve uns 18 mil violões por mês - 9 mil nacionais, 5 mil deles Di Giorgio. Luteria é só capricho, é sonho do músico.
Luthier não tem de tirar músicas do instrumento. Só tem de tirar instrumentos da tora. Para tanto "deve ter ouvido de médico, não de músico" diz JB. Ouvido capaz de perceber no som das cordas dedilhadas a harmonia das madeiras das laterais, fundo, tampa e escala, o equilíbrio dos volumes graves e agudos e até a maturidade do instrumento.
Jb bem que tentou estudar violão. Não deu. A vida não lhe deu tempo sequer para pensar em vocação e escolher a profissão. Caiu nela. Dona Percília, a mãe, enviuvou e careceu de sua ajuda na criação dos três míudos. E na lida, na fazendola deixada pelo falecido Adauto Irineu em Caaporã (Paraíba, quase Pernambuco), com 50 cabeças mestiças de nelore e bastante lavoura branca.
Era 1965 e JB tinha 10 anos. Ajudou direito a mãe, nas duas fainas. Deixou os pequenos bem (Carliete é secretária da Educação de Caaporã e Carlos, o gêmeo dela, é dono do mimo, bar onde trabalha o caçula Jabson) e não se limitou a capinar plantação e a erar garrote. Ao negociar o fruto das terrinhas no mercado municipal de João Pessoa, tomou gosto e se fez atacadista de milho, feijão, mandioca, abóbora, o que fosse.
Aos 19anos, passado para o segundo ano científico, trancou matrícula e tocou de ônibus mapa abaixo. Conterrâneos já aclimatados em São Paulo o levaram à maior das três fábricas de instrumentos de corda do Brasil, a Giannini (as outras eram a Di Giorgio e a Del Vecchio). Contratado, ajudava na montagem e acabamento (só de verniz vão 7 demãos). Logo foi promovido a meio-oficial e a oficial - carreira notável, entre os 1500 empregados da fábrica.

Em 1977 casou-se com Dilma e em 1979 saiu da firma junto com seu mestre Sukiamito Sukiama, japônes que revolucionou a feitura de violões ao chegar em 1974 na Giannini com técnicas e ferramentas inéditas. Em 1982, o bom filho voltou à primeira casa. Líder 3, passou a líder 2 e 1 e, em 3 anos, a coordenador da área de violões clássicos, reduto dos setenta melhores entre os mil artesãos da Giannini.
É: só mil. A firma aberta em 1900 pelo italiano Tranquilo Giannini encolhia (e dos 1500 empregados de 1974 estaria reduzida a 240 em 1999). Sofria principalmente dificuldade para arrumar madeira. O governo Figueiredo proibira importações e José Sarney atrasou a vida de quem vivia a estragar florestas.
JB percebeu que, por esse ou por outro motivo, a Giannini minguava. E pensou no futuro da prole crescente: 1985, Priscila se juntara a Diego de 1 ano e a Allana, de 5. Passou a botar parte do salário na montagem da oficina própria, com furadeira, desempenadeira, plaina, lixadeira, serras circular e de fita, limas, serrotes, grosas, formões, topias, navalhas (sovelas) - tudo importado. Até hoje é. E caro: compra acima de US$ 50 paga 60% na aduana e abaixo disso não compensa o frete.

Também investiu no estoque de matéria prima. Boa idéia. Madeira leva até 6 anos para secar o suficiente. Se um jogo para tampo guardado por 4 anos vale US$ 70, o de 10 anos vai a US$ 200. JB comprou madeira boa e importou o que pôde. Claro: tampo de pinho nacional nem lhe passa pela cabeça. "Só uso cedro canadense ou pinho suecode veio fino. O nosso, mole, desequilibra volumes graves e agudos". Ele revela que o timbre do pinho, de aguda mais brilhante, é preferido pelo violinista clássico. O cedro, grave e perfeito na baixaria, é ideal para a música popular. "O cedro, nasce falando alto e em 6 anos dá o máximo de volume e timbre. O pinho só estará maduro e falará mais alto do que o cedro dali a 10 anos", diz JB. E explica que instrumento na capa não amadurece. "Frio, calor, secura, umidade, massagem, vibração das cordas, tudo acalma e acama as fibras". Para JB, a escala, que reveste o braço e suporta os trastes, tem de ser de ébano indiano - o africano é fraco e sucupira, maçaranduba ou ipê, embora igualmente duras e sem poros, "absorvem o valor das notas, engolem a sonoridade". Braço bom é o de mogno. Importado - aqui é proibido cortar. "Cedro do Pará serve. Leve, exige preparo para não empenar, mas vai acabar substituindo o mogno do braço e do tróculo", diz JB. O Aurelião faz segredo disso, mas trocoli ou tróculos são as peças que prendem o cabo à caixa.

Fora o violão flamengo, cujo fundo e laterais são de cipreste europeu, as laterais e fundo ideais têm de sair da mesma tora de jaracandá-da-baía - madeira preferida para isso pelos luthieres do mundo todo (que também não abrem mão do pau-brasil, ou pernambuco wood, para o arco dos violinos e violocelos). Rareado no Sul da Bahia e no Espírito Santo, o jacarandá-da-bahia made in EUA ou in Japan. Alternativa mais barata (embora não tão boa) é o jacarandá da índia (onde só derruba um quem planta três).
JB reconhece a qualidade da marchetaria nativa, futo do tempo das importações vetadas. Mas prefere, na roseta (enfeite em roda da boca do instrumento), o mosaico japônes ou alemão. Cordas, tarracha, arame dos trastes, tudo vem de fora desde o escancaramento dos portos às nações amigas do governo Collor. Que em vez de melhorar a situação por baratear a importação de insumos, piorou por baratear a vinda do produto final.
Em 1990, JB fez 10 violões. No ano seguinte, pegou a encomenda de seu primeiro 7 cordas. 1992 foi a vez do primeiro cavaquinho e 1993, a do primeiro bandolim. O primeiro de 8 cordas é de 1995 (nunca ouviu falar de violão de nove, mas diz ter notícia de que Egberto Gismonti toca um de 10 cordas).

Em 10 anos de atelier, JB fez nome no Brasil e no exterior. Estima ter exportado até agora mais de 150 violões e cavaquinhos para o Japão, EUA, Cabo Verde, África do Sul, Alemanha, Portugal, Inglaterra, Itália e vizinhança sul-americana.
Aqui, seus instrumentos musicais são tocadas por Roberto Canhotinho (dos Demônios da Garoa), Originais do Samba, Vicente Barreto (parceiro do Celso Viáfora e autor de sucessos como Morena Tropicana), Canhoto da Paraíba, Chico César, Ale Ferreira, Só Pra Contrariar, Luizinho Sete Cordas, Oficina de Cordas do Recife, Antonio Nóbrega, Alemão (Gaviões da Fiel), Adalberto Cavalcanti, Molejo Harmonia, Armandinho Macedo, grupos Nosso Choro e Pernambucano de Choro, Hamilton Holanda, Fernando César, Henrique Annes, Isaías e Israel Bueno, Jorge Cardoso, Negritude Jr, Muleke Travesso....
Neste ano, JB espera repetir com 3 ajudantes, a produção de 2000: 200 cavaquinhos, 50 bandolins e 20 banjos; 30 violões de seis, 30 violões de sete e 3 violões de oito cordas; 3 violachos (contra-baixo de 6 cordas), 10 violões- tenores (espécie de cavaco maior e grave) e 10 elétricos, além de umas 20 violas, entre especiais (como a de 12 cordas feita para Antonio Nóbrega) e comuns - de dois pares de cordas finas (canutilhas) e dois de grossas (toeiras), mais o par do meio, composto por uma toeira e um canutilho, uma oitava acima.

Luthier João Batista

Fonte: [http://www.jbinstrumentos.com.br/index.php?option=content&task=view&id=23&Itemid=53]

Edição: [Ygor Furtado]

Raphael Rabello & Dino 7 Cordas - Raphael Rabello & Dino 7 Cordas (1991).

2009-04-10T19:38:00.000-07:00

Raphael teve aulas com o lendário Dino 7 Cordas, com quem gravou um LP em 1991. Raphael, por um tempo, dedicou-se somente ao violão de sete cordas, chegando, inclusive, a adotar o nome " Raphael 7 Cordas " (o mesmo nome de seu primeiro LP). No início dos anos 80, ele participou como instrumentista em famosas gravações de samba como por exemplo: "Minha Missão", de João Nogueira. Ele desenvolveu um ritmo de samba para violão que é reproduzido por diversos violonistas de hoje em dia

Link:[http://rapidshare.com/files/101205337/UQT1991_Raphael_Rabello_e_Dino_7_Cordas.rar]

Edição: Ygor Furtado

Carlinhos 7 Cordas.

2009-04-10T18:34:00.000-07:00

Carlos Eduardo Moraes dos Santos, mas seu nome artístico é Carlinhos 7 Cordas. Músico de formação popular estudou no conservatório Vila Lobos-CIGAM (Centro Iam Guest de Aperfeiçoamento Musical). Começou a tocar com o compositor Nei Lopes, integrou a Banda de Marquinhos Satã – Reinaldo. Em 1992 ingressou na banda da cantora Beth Carvalho e a acompanhou em shows no Brasil e no Exterior, se apresentando em países como Estados Unidos, Suíça, França, Uruguai e Angola. Além de ter atuado em shows e gravações de vários nomes da MPB: Beth Carvalho, Alcione, Ivan Lins, Eliana, Chico Buarque, Liza Ono, Lobão, Maria Bethânia e Fernanda Abreu, entre outros, Carlinhos lançou recentemente, em parceria com o Pianista Guilherme Vergueiro, CD instrumental em Los Angeles e Londres.

Edição: Ygor Furtado

Guitarra Schecter 7 cordas Demon 7.

2009-04-10T09:02:00.000-07:00

Ficha Técnica:

CONSTRUCTION/SCALE: Bolt-on / 26.5?
BODY: Basswood
NECK/FINGERBOARD: Maple/Rosewood
FRETS: Extra Jumbo
INLAYS: Black Pearl Gothic Cross
PICKUPS: Duncan Design Acvtive HB-105 7 string
ELECTRONICS: Vol/Tone/3-way
BRIDGE: TOM w/ stop tail
BINDING: None
TUNERS: Schecter
HARDWARE: Distressed Silver
COLOR: Satin Black (STBLK)

Por:
R$ 1.445,00 ou 3x de R$ 481,67 sem juros

Link para Compra: [http://www.rexsom.com.br/produtos/p.asp?id=923&produto=Guitarra_Schecter_7_cordas_Demon_7]

Edição: [Ygor Furtado]

Guitarra RMV 7 cordas R7

2009-04-10T08:54:00.000-07:00

Ficha Técnica:

Nut: com trava

Braço: coladoT

ampo: Flame Maple

Chave: 3 posições

Escala: Rosewood com 24 casas

Captação: 2 Humbucker

Tarraxas: Blindadas

Ponte: Flutuante

Controles: 1 Volume; 1 Tone

Por:
R$ 1.024,00 ou 3x de R$ 341,34 sem juros

Link para Compra: [http://www.rexsom.com.br/produtos/p.asp?id=431&produto=Guitarra_RMV_7_cordas_R7]

Edição: [Ygor Furtado]

Rexsom - Guitarra RMV R7

Guitarra Ibanez 7 cordas S7320 BK

2009-04-10T08:44:00.000-07:00

Ficha Técnica:

Neck type: 3pc WizardII-7 neck

Body: Mahogany body F

ingerboard: Rosewood fingerboard

Fret: Jumbo frets

Bridge: ZR 7 Tremolo bridge

Neck pu: AH7-1 (H) neck pu

Bridge pu: AH7-2 (H) bridge pu

Hardware color: Cosmo Black

PICKUPS:Bridge

Pickup Name: AXIS SEVEN 2 Model No: AH27 Construction: Humbucking Magnet: Ceramic Description: Seven-string version of AH2 pickup.

Neck Pickup Name: AXIS SEVEN 1 Model No: AH17 Construction: Humbucking Magnet: Ceramic Description: Seven-string version of AH1 pickup. Neck Dimensions:Scale/Length 648mm/25.5" a: Width at Nut 43mm b: Width Last Fret 56mm c: Thickness 1st Fret 19mm d: Thickness 12th Fret 21mm Radius 400mm

ZR Tremolo:

Zero Resistance technology, yet another Ibanez tremolo improvement, replaces standard knife-edge pivots with a ball-bearing based pivot joint, which provides greater tuning stability.

Por:
R$ 2.678,00 ou 3x de R$ 892,67 sem juros

Link para Compra: [http://www.rexsom.com.br/produtos/p.asp?id=851&produto=Guitarra_Ibanez_7_cordas_S7320_BK]

Edição: [Ygor Furtado]

Guitarra ESP LTD 7 cordas SC207 Signature Stephen Carpenter.(deftones

2009-04-10T08:26:00.000-07:00

Ficha Técnica:

Bolt-On 25.5”

Scale Basswood

Body Maple

Neck Rosewood

Fingerboard 48mm Standard Nut Thin U Neck Contour 24 XJ Frets

Chrome Hardware ESP Tuners

TOM Bridge ESP LH-307 p.u.Finish: BLK

Por:
R$ 1.861,00 ou 3x de R$ 620,34 sem juros

Link para Compra: [http://www.rexsom.com.br/produtos/p.asp?id=797&produto=Guitarra_ESP_LTD_7_cordas_SC207_Signature_Stephen_Carpenter]

Edição: [Ygor Furtado]

Guitarra ESP LTD SC207 guitarra signature Stephen Carpenter

ESP Guitars: Stephen Carpenter (Deftones) Interview

GUITARRA K-7 FB C/ CASE (AZUL) IBANEZ.

2009-04-09T22:02:00.000-07:00

Ibanez K-7 Korn Signature. Grandes sucessos como: Freak On A Leash, Somebody Someone, Word Up!, foram feitos com ela em punho.

Especificações:

* Braço estilo K7 Prestige,feito em 5pc. de Maple/ Wenge

* Corpo em Mogno

* 24 trastes Escala em Jacarandá

* Ponte Lo Pro Edge 7 w/U-bar bridge

* Captador Braço DiMarzio PAF-7 (Humbucker)

* Captador Ponte DiMarzio PAF-7 (Humbucker)

* Marcações do braço K7 Special Inlay

* Hardware Cromado

O corpo em mogno providencia graves ricos e um doce sustain. Possui 24 trastes Jumbo o que permite tocar de maneira fácil tanto para acordes quanto solo.

R$ 7.350,00 a vista/10% de Desconto no pagamento à vista no boleto!

Parcelamento

à vista
R$ 7.350,00
2x sem juros
R$ 3.675,00
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R$ 2.450,00
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R$ 1.837,50
5x sem juros
R$ 1.470,00
6x sem juros
R$ 1.225,00
7x sem juros
R$ 1.050,00
8x sem juros
R$ 918,75
9x sem juros
R$ 816,67
10x sem juros
R$ 735,00

Link para Compra: [http://www.madeinbrazil.com.br/product.aspx?idProduct=17309&idDept=236]

Edição: [Ygor Furtado]

GUITARRA IBANEZ S 7320 7 CORDAS.

2009-04-09T21:54:00.000-07:00

A Ibanez S7320 é a 7 cordas elétrica com o corpo mais confortável do mundo.
Uma mistura de delicadeza e selvageria, dão a essa guitarra uma versatilidade ímpar, fazendo com que ela transite entre diversos estilos musicais.
Comprove, adquira a sua já !

Ficha Técnica:

* ponte Ibanez ZR 7

* Braço em Maple/walnut 5-camadas

* Captadores Ibanez AH para 7-cordas (humbucking)

R$ 3.064,00 a vista /10% de Desconto no pagamento à vista no boleto!

Parcelamento

à vista
R$ 3.064,00
2x sem juros
R$ 1.532,00
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R$ 1.021,33
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R$ 766,00
5x sem juros
R$ 612,80
6x sem juros
R$ 510,67
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R$ 437,71
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R$ 383,00
9x sem juros
R$ 340,44
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R$ 306,40

Link para Compra: [http://www.madeinbrazil.com.br/product.aspx?idProduct=96046&idDept=236]

Edição: [Ygor Furtado]

GUITARRA IBANEZ RG-1527 RB/C (ROYAL BLUE)

2009-04-09T21:45:00.000-07:00

Desde 1987, a Ibanez RG tem sido a arma secreta escolhida pela nação do metal. Isso porque no seu nascimento teve a escolha certa dos captadores, tipo de braço e ponte flutuante com trava, com isso a RG tem se tornou um modelo clássico. Para uma RG a combinação letal apresenta, na linha RG Prestige mais conforto, um melhor acabamento e detalhes na escolhas das partes eletrônicas e hardware. Guitarra Ibanez, 07 cordas, modelo RG-1527 (linha prestige)

Ficha Técnica:

• Corpo - Basswood

• Braço - 5peças - Wizard Ultra Maple / Wenge Neck / Wizard

• Escala - Rosewod

• Ponte - Edge Pro 7

• Captador Braço - IBZ V77(H)

• Captador Ponte - IBZ V87 (H)

• Marcação - Ponto pérola

• Ferragem - powder coat (pc)

• Case• Cor: Royal Blue

R$ 3.990,00 a vista

Parcelamento

à vista
R$ 3.990,00
2x sem juros
R$ 1.995,00
3x sem juros
R$ 1.330,00
4x sem juros
R$ 997,50
5x sem juros
R$ 798,00
6x sem juros
R$ 665,00
7x sem juros
R$ 570,00
8x sem juros
R$ 498,75
9x sem juros
R$ 443,33
10x sem juros
R$ 399,00

Link para Compra: [http://www.madeinbrazil.com.br/product.aspx?idProduct=12898&idDept=236]

Edição: [Ygor Furtado]

Ibanez RG1527

Guitarra Ibanez RG 7321 7 Cordas.

2009-04-09T21:32:00.000-07:00

A linha de guitarras RG constituem padrão imbatível de guitarras para rock pesado e heavy metal. A RG 7321 é um guitarra de sete cordas, projetada a fim de oferecer alta qualidade sonora. Está equipada com potentes captadores Ibanez AH1-7 no braço e AH2-7 na ponte, chave seletora de cinco posições e ponte fixa. Possui corpo em Basswood, braço em Maple (5pc), escala em Bound Rosewood e marcação ponto pérola.

Informações Técnicas:

- Corpo: Basswood
- Braço: Maple/ Walnut (5pc)
- Escala: Bound Rosewood
- Ponte: Fixa
- Captador Braço: IBZ AH1-7 (H)
- Captador Ponte: IBZ AH2-7 (H)
- Chave Seletora de 5 Posições
- Marcação: ponto pérola
- Ferragem: preta
- Cor: preta (BK)

R$ 1.586,00

0+01x 1.586,00

0+02x 793,00

0+03x 528,67

0+04x 416,33

0+05x 333,06

0+06x 277,55

Link para Compra: [http://www.foxtrot.com.br/Produto.aspx?CodProduto=01010011711001]
Edição: [Ygor Furtado]

Rose Morris Ibanez RG7321

CAPTADOR DIMARZIO EVOLUTION 7 DP704 (BRIDGE)

2009-04-09T21:23:00.000-07:00

* Não indicado para músicos inexperientes.

* Consulte um luthier para efetuar a instalação em sua guitarra.

* 04 condutores

* Imãs: Cerâmica

* Output: 420

* Resistência DC: 14.09

R$ 346,00 a vista 10% de Desconto no pagamento à vista no boleto!

Parcelamento

à vista
R$ 346,00
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R$ 115,33
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5x sem juros
R$ 69,20
6x sem juros
R$ 57,67

Link para Compra: [http://www.madeinbrazil.com.br/product.aspx?idProduct=99639&idDept=447]

Edição: [Ygor Furtado]

Captador EMG 707 Ativo Humbucker para Guitarra 7 Cordas.

2009-04-09T21:10:00.000-07:00

Descrição

- Captador EMG 707 Humbucker para Guitarra 7 Cordas.

- Captação: Ativa.

- Magnetos: Alnico.

- Dimensões: 2cm(A) x 9cm(L) x 3,8cm(P).

- Acompanha: Potenciômetros, Jack, Cabo Conector.

- Origem: U.S.A.

Por:R$ 403,75

Link para Compra: [http://www.musicalgrellmann.com.br/loja/produto-54103-7757-captador_emg_707_ativo_humbucker_para_guitarra_7_cordas__black]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão Rozini Elétrico Nylon 7 Cordas Estudante.

2009-04-09T13:00:00.000-07:00

Especificações Técnicas:

Violão 7 Cordas Estudante Com Afinador Eletrônico

Braço: Cedro (com tensor ajustável)

Escala/ Cavalete: Pau-ferro

Laterais/ Fundo: Imbuia (laminado)

Tampo: Marfim (laminado)

Trasto: Cromo níquel (médio)

Tarraxas: Cromadas

Cordas: Nylon (J27 D Addario)

Cor: Natural

Equalizador Ativo 3 Bandas - ARTEC(grave, médio e agudo)Com afinador eletrônico cromático

Comprimento total do instrumento: 1040mm

Comprimento total da escala: 655mm

Largura da pestana: 60mmMaior

largura da caixa: 100mm

Por:
R$ 642,00 ou 6x de R$ 107,00 sem juros

Link para Compra: [http://www.suportemusical.com.br/produtos/p.asp?id=444&produto=Violao_Rozini_Eletrico_Nylon_7_Cordas_Estudante_Natural_Cod_20340]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão Rozini Elétrico Nylon 7 Cordas Concertista.

2009-04-09T12:56:00.000-07:00

Especificações Técnicas;

Violão 7 Cordas Concertistas Com Afinador Eletrônico

Braço: Cedro (com tensor ajustável)

Escala/ Cavalete: Caviúna

Laterais/ Fundo: Caviúna (maciço)

Tampo: Pinho sueco (maciço)

Trasto: Cromo níquel (médio)

Tarraxas: Douradas super luxo

Cordas: Nylon (J44 DAddario)

Cor: Natural

Equalizador Ativo 4 Bandas - ARTEC(grave, médio, agudo e presença)Com afinador eletrônico cromático

Comprimento total do instrumento: 1040mmComprimento

total da escala: 655mm

Largura da pestana: 60mm

Maior largura da caixa: 100mm

Acompanha estojo de luxo

Por: R$ 2.311,00 ou 6x de R$ 385,17 sem juros

Link para Compra: [http://www.suportemusical.com.br/produtos/p.asp?id=443&produto=Violao_Rozini_Eletrico_Nylon_7_Cordas_Concertista_Natural_Cod_20339]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão Rozini Acústico Nylon 7 Cordas Profissional.

2009-04-09T12:50:00.000-07:00

Especificações Técnicas:

Violão 7 Cordas Profissional

Braço: Cedro com tensor ajustável

Escala Cavalete: Caviúna

Laterais Fundo: Caviúna laminado

Tampo: Pinho sueco maciço

Trasto: Cromo níquel médio

Tarraxas: Douradas

Cordas: Nylon D'Addario

Cor: Natural

Comprimento total do instrumento: 1040mm

Comprimento total da escala: 655mm

Largura da pestana: 60mm

Maior largura da caixa: 100mm

Por:
R$ 670,00 ou 6x de R$ 111,67 sem juros

Link para Compra: [http://www.suportemusical.com.br/produtos/p.asp?id=356&produto=Violao_Rozini_Acustico_Nylon_7_Cordas_Profissional_Natural_Cod_20258]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão Rozini Acústico Nylon 7 Cordas Estudante.

2009-04-09T12:44:00.000-07:00

Especificações Técnicas:

Violão 7 Cordas Estudante

Braço: Cedro com tensor ajustável

Escala Cavalete: Pau-FerroLaterais

Fundo: Imbuia laminado

Tampo: Marfim laminado

Trasto: Cromo níquel médio

Tarraxas: Cromadas

Cordas: Nylon D'Addario

Cor: Natural

Comprimento total do instrumento: 1040mm

Comprimento total da escala: 655mm

Largura da pestana: 60mm

Maior largura da caixa: 100mm

Por:
R$ 440,00 ou 6x de R$ 73,34 sem juros

Link para Compra: [http://www.suportemusical.com.br/produtos/p.asp?id=355&produto=Violao_Rozini_Acustico_Nylon_7_Cordas_Estudante_Natural_Cod_20257]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão Rozini Acústico Nylon 7 Cordas Concertista.

2009-04-09T12:39:00.000-07:00

Especificações Técnicas:

Violão 7 Cordas Concertistas

Braço: Cedro com tensor ajustável

Escala Cavalete: CaviúnaLaterais

Fundo: Caviúna maciço

Tampo: Pinho sueco maciço

Trasto: Cromo níquel médio

Tarraxas: Douradas super luxo

Cordas: Nylon D'Addario

Cor: Natural

Comprimento total do instrumento: 1040mm

Comprimento total da escala: 655mm

Largura da pestana: 60mm

Maior largura da caixa: 100mm

Acompanha Estojo de Luxo

Por:
R$ 2.070,00 ou 6x de R$ 345,00 sem juros

Link para Compra: [http://www.suportemusical.com.br/produtos/p.asp?id=359&produto=Violao_Rozini_Acustico_Nylon_7_Cordas_Concertista_Natural_Cod_20261]

Edição: [Ygor Furtado]

Marcello Gonçalves.

2009-04-09T11:07:00.000-07:00

Biografia

Marcello Gonçalves é sempre lembrado quando se trata de violão de sete cordas, sendo muito requisitado em gravações de artistas da MPB. Em 1996, formou o Trio Madeira, ao lado de Ronaldo do Bandolim (Ronaldo Souza Silva), José Paulo Becker (violão e viola caipira). O grupo lançou seu primeiro CD, “Trio Madeira Brasil”, em 1998, gravando clássicos do choro. O disco acabou recebendo duas indicações para o Prêmio Sharp, nas categorias Melhor Disco e Melhor Grupo.
Em 2000 lançou o CD Pixinguinha de Bolso (Kuarup), ao lado de Henrique Cazes (Cavaquinho). Participou ainda dos CDs Sempre Waldir e Villa por Chorões, ambos lançados pela Kuarup em 2002. No ano seguinte participou, com o Trio Madeira, da gravação do novo disco de Guilherme de Brito, no qual o grupo foi responsável por todos os arranjos e acompanhamento do compositor e seus convidados, entre eles, Beth Carvalho.

É já um dos mais requisitados violonistas de 7 cordas da atualidade, tendo tocado e gravado com grandes nomes como Elza Soares, Elton Medeiros, Baden Powell, Ney Matogrosso e Gal Costa. Gravou pela EMI Classics inglesa o CD “Bach in Brazil”, com o qual realizou turneé por Portugal e Inglaterra. Com seu duo com Henrique Cazes no CD Pixinguinha de Bolso já esteve na Finlândia e Venezuela. É também integrante do grupo Rabo de Lagartixa.

Fonte: [http://www.triomadeirabrasil.com.br/marcello.html][http://www.kuarup.com.br/br/art_cada.php?art=1159&idioma=port#txt77518077]

Edição: [Ygor Furtado]

Trio Madeira Brasil - Santa Morena

Bole Bole (Jacob do Bandolim)

Aguenta Seu Fulgencio

Machucando: Yamandú/ Trio madeira Brasil/Zé da Velha/Silvério Pontes

Fernando César.

2009-04-09T10:52:00.000-07:00

Fernando César Vasconcelos Mendes nasceu em 18 de setembro de 1970 na cidade do Rio de Janeiro. César, como é mais conhecido, optou pelo violão de sete cordas e sua trajetória musical se confunde com a de seu irmão, Hamilton de Holanda, no Dois de Ouro. Eles começaram a tocar, ainda crianças, incentivados pelo pai, José Américo (violão de seis cordas). A primeira apresentação do Grupo aconteceu em setembro de 1981, no Clube do Choro de Brasília. A partir daí, o Dois de Ouro fez várias apresentações e shows, os quais proporcionaram aos irmãos Hamilton e César encontros musicais com grandes nomes do música brasileira, como: Altamiro Carrilho, Raphael Rabello, Armandinho Macedo, Paulinho da Viola, Dino Sete Cordas, Marco Pereira, Carlos Malta, Ademilde Fonseca e Hermeto Pascoal. Gravou três Cd’s com o Dois de Ouro, além de participar de outras várias gravações de diversos artistas. O segundo CD do Dois de Ouro foi eleito pelo Correio Braziliense o disco do ano de 1998 em MPB e, em conseqüência, o Dois de Ouro ganhou o Prêmio Candango de Cultura, oferecido pela Secretaria de Cultura do Distrito Federal, como destaque em música no ano de 1998. Com o Dois de Ouro, Fernando César participou de diversos shows em países como França, Áustria, Turquia e África do Sul, além de acompanhar seu irmão, Hamilton de Holanda, no Free Jazz em 2000. Além do seu trabalho no Dois de Ouro, Fernando César participou do grupo Choro Livre, entre 1988 e 1991, e com o qual gravou dois discos, tendo feito várias apresentações no Brasil, e uma tournée no Uruguai. A partir de 2001, volta a integrar o grupo Choro Livre, e participa dos projetos do Clube do Choro de Brasília: Ernesto Nazareth, pai do Choro moderno ( 2001 ); Caindo no Choro ( 2002 ); Tributo à Garoto ( 2003 ) acompanhando diversos instrumentistas brasileiros, entre eles: Sivuca, Rildo Hora, Sebastião Tapajós, Paulo Moura, Heraldo do Monte, Paulo Sérgio Santos, Joel Nascimento, Déo Rian, Carlos Poyares, Raul der Barros, Hermeto Paschoal, Altamiro Carrilho, Armandinho Macedo, Léo Gandelman, Zé Menezes, Wagner Tiso, Vittor Santos, Henrique Cases, Turíbio Santos, Carlos Malta, Dominguinhos e outros. Em 2002 no Projeto Caindo no Choro tocou como convidado nos shows de Marco Pereira e do Quinteto Villa Lobos . Estudou na Escola de Música de Brasília de 1982 a 1987 onde pode tocar e conhecer mais profundamente vários instrumentos como o violino, o violoncelo, o oboé e a flauta doce, além de ter participado de corais. Paralelamente ao seu estudo na Escola de Música, Fernando César estudou teve como professor o violonista Everaldo Pinheiro. Desde 2002 é professor de Violão na Escola Brasileira de Choro Raphael Rabello, e atualmente acumula também a função de coodenador da Escola, a primeira no mundo, voltada para o ensino do Choro. Com o Dois de Ouro, participou do Concerto da Orquestra Sinfônica do Teatro Nacional Cláudio Santoro ( 2001 e 2004 ) executando a Suíte Retratos ( Radamés Gnatalli ). Atua, também, como produtor e diretor musical, tendo como alguns trabalhos a citar : A nova cara do velho Choro ( CD e shows – 1997/2000 ), Destroçando a macaxeira ( CD - 1997 ), Dois de Ouro 18 anos ( show - 1999 ), 25 anos do Clube do Choro de Brasília ( show - 2002 ), Alunos da Escola Brasileira de Choro Raphael Rabello ( 2002/03 ), entre outros, A Música de Hamilton de Holanda ( CD –2004 ), Pintando o sete – Rogério Caetano ( CD – 2004 ) Participou do primeiro CD solo de Hamilton de Holanda, lançado em 2002 pela gravadora Velas. Em 2003, César voltou à França para realizar turnê com Hamilton de Holanda, realizando shows em diversas casas de espetáculos e teatros: Clube do Choro de Paris, Teatro La Vieille Grille, Jazz Club “Baiser Salé”, Jazz Club “ Sattelite café”.

Fonte: [http://www.myspace.com/violao7]
Edição: [Ygor Furtado]

Bandolim Brasileiro - AQuattro toca Luperce Miranda

Isto aqui o que é/ Aquarela do Brasil

Luis Filipe de Lima.

2009-04-09T10:09:00.000-07:00

Instrumentista (violonista). Compositor. Jornalista. Ator. Diretor teatral. Filho do ator e diretor teatral Luis de Lima. Estudou violão com Lourenço Baeta, Billy Teixeira e Horondino Silva (Dino), com quem se especializou no violão de 7 cordas. Percussionista autodidata. Em 1974, iniciou sua carreira de ator profissional, tendo participado das seguintes novelas de televisão: "Bravo", de Janete Clair (1975), "Os gigantes", de Lauro César Muniz (1980), "As três Marias", de Walter Negrão (1981), "Partido alto" de Aguinaldo Silva e Glória Perez (1984), e "Carmem", de Glória Perez (1988). Em 1980, recebeu indicação para o Prêmio Mambembe Revelação, por sua atuação, ao lado de Fernanda Montenegro e Fernando Torres, em "Assunto de família", peça teatral de autoria de Domingos de Oliveira com direção de Paulo José. Três anos depois, participou da montagem de "Os meninos da Rua Paulo", adaptação de Cláudio Botelho do original de Ferénc Molnár. Atuou como assistente de direção teatral, ao lado de Luís de Lima, em "Espetáculo Ionesco", textos do dramaturgo romeno (1982), "Larga do meu pé", de Georges Feydeau (1985), "Machado em cena", textos de Machado de Assis (espetáculo que inaugurou o Teatro II do Centro Cultural Banco do Brasil, RJ, em 1989), "A lição", de Ionesco (Teatro II do CCBB, 1991), e "O reformador do mundo", de Thomas Bernhard (Teatro II do CCBB, 1994), entre outras.

Iniciou sua carreira musical freqüentando rodas de samba e choro no Rio de Janeiro. Apresentou-se em bares e casas noturnas cariocas como o Sobrenatural de Santa Teresa, Encontros Cariocas (ao lado de Noca da Portela) e Casa da Mãe Joana, entre outros. Acompanhou sambistas como Ivone Lara, Beth Carvalho, Martinho da Vila, Elton Medeiros, Wilson Moreira, Nei Lopes, Elza Soares, Moacyr Luz, Walter Alfaiate, Nelson Sargento, Délcio Carvalho, Wilson das Neves, Bezerra da Silva e Monarco. Atuou também na área do choro, ao lado de Pedro Amorim, Henrique Cazes, Dirceu Leite, Eduardo Neves, Rui Alvim e Alexandre Romanazzi, entre outros. É autor das músicas "Joãozinho na Gafieira", gravada pelo grupo Rabo de Lagartixa, e "Esquisito", gravada por Heitor dos Prazeres Filho. A partir de 1993, começou a se apresentar no bloco carnavalesco Simpatia é Quase Amor (Ipanema, RJ), atuando também como um de seus organizadores. Desfila no Império Serrano e no Paraíso do Tuiuti, apresentando-se com o violão 7 cordas. Em 1994, escreveu os arranjos da trilha sonora de "Você não passa de uma mulher", musical encenado nos teatros Cândido Mendes e João Theotônio, no Rio de Janeiro..Em 1996 participou, como instrumentista, diretor musical e diretor geral, do espetáculo "Rio que sempre riu", encenado no Teatro II do CCBB (RJ). Ainda nesse ano, publicou pela Mauad o livro "Um vento sagrado", escrito em parceria com Muniz Sodré. Também em 1996, recebeu o título de Mestre em Comunicação e Cultura, apresentando à Escola de Comunicação da Universidade Federal do Rio de Janeiro dissertação intitulada "Elementos da música ritual afro-brasileira". No ano seguinte, ingressou no curso de doutorado da mesma instituição. Sua tese intitula-se "O choro carioca: uma identidade cultural mestiça". Foi responsável pela direção musical de "Noel, feitiço da Vila", montado no teatro Laura Alvim (RJ) em 1998 e no Teatro Hilton (SP) em 2000. É autor de diversos artigos sobre música popular brasileira publicados em revistas especializadas.

Fonte: [http://www.dicionariompb.com.br/detalhe.asp?nome=Luis+Filipe+de+Lima&tabela=T_FORM_A&qdetalhe=bio]

Edição: [Ygor Furtado]

Paulo Roberto Pereira Araújo.(Paulão 7 Cordas)

2009-04-08T21:38:00.000-07:00

Paulo Roberto Pereira Araújo* 29/09/1958 Rio de Janeiro, RJ, Brasil.Instrumentista, arranjador, produtor musical.

Formação

O avô paterno de Paulão 7 Cordas era clarinetista e mestre de banda e a ele estão ligadas as memórias musicais mais antigas de seu neto.
“Exatamente as aulas de música dadas pelo meu avô em sua casa. Sempre que ia passar férias com ele, o que acontecia todos os anos, ficava encantado com todo aquele movimento.”

Foi com o avô que, numa dessas férias, Paulão começou a aprender música e, como bom mestre de banda, ele primeiramente deu ao neto noções de teoria musical.

Os métodos utilizados, então, foram os de Pascoal Bona – “Método Completo para Divisão Musical” (Editora Irmãos Vitale) -, "Teoria Elementar da Música" (Editora Ricordi), de Oswaldo Lacerda, e "Manual de Harmonia" (Edição do Autor), de Paulo Silva.

Porém, mais do que os livros, o que ficou de útil e agradável deste aprendizado para Paulão 7 Cordas foi “fazer música com outras pessoas.”

Decisivo mesmo em sua formação musical foi seu professor de violão,
José David Alves.

No entanto, grande parte desta formação se deu de forma autodidata. “Tive, com meu avô, só aulas de teoria, e só tive um professor de violão; fui aprendendo muita coisa depois que me profissionalizei.”

“Sou um músico que sempre tocou samba e choro.Sendo assim, aprendi muita coisa com Nelson Cavaquinho, Mauro Duarte, Elton Medeiros, e com os violonistas Dino Sete C ordas, Hélio Capucci, Arlindo Cachimbo, Damázio e Hilton Magno.” Estes são os músicos que foram importantes para o músico que Paulão 7 Cordas é hoje.

Professor

Paulão 7 Cordas não dá aulas regularmente. No entanto, “sou bastante procurado por jovens que querem conhecer o violão de samba e, a partir disso, dou algumas aulas.”
“Normalmente, são alunos já tocando bem, mas que têm por base o violão de concerto e desejam tocar samba e choro fazendo harmonizações e baixarias, que é o termo que se usa para o contraponto no violão de choro e, também, de samba.”

Como se pode perceber, a estes alunos Paulão dá aulas de violão de 7 cordas.

O método de ensino de Paulão é “uma mistura de coisas”. “Como sou procurado na maioria das vezes por pessoas de boa base, sentamos, tocamos,ouvimos violonistas importantes e trabalhamos um repertório.”

A estes alunos, Paulão 7 Cordas costuma indicar o “Novo Método de Violão - Opus 59” e "25 Estudos Melódicos e Progressivos" (Ed. Irmãos Vitale), ambos de Matteo Carcassi.

Instrumentista

Paulão 7 Cordas toca violões de seis e de sete cordas.
Apesar dos inúmeros compromissos profissionais, o violonista procura manter uma rotina diária de quatro horas de estudos.

Preferencialmente na parte da manhã, “faço um pouco de escalas e arpejos e toco peças que me ajudem a resolver as dificuldades do instrumento.”

A característica principal de seu estilo como instrumentista foi sendo determinada pelo tipo de trabalho que Paulão 7 Cordas desenvolve. “Procuro sempre manter uma grande sintonia com quem estou tocando, já que sou mais acompanhador do que solista.”

Paulão não se considera “um grande improvisador” e pensa que sua assinatura musical seja “fazer boas harmonias e tocar com simplicidade.”

Como instrumentista, as influências mais importantes para Paulão vêm de Dino Sete Cordas e Meira, especialmente no trabalho de ambos nos dois primeiros discos de Cartola, lançados em 1974 e 1976 pela gravadora paulistana Marcus Pereira, com o nome do compositor como título.

Arranjador

Paulão 7 Cordas escreve arranjos para pequenos grupos.
Entre seus arranjos, escolhe como mais representativos os escritos para os discos de Tantinho da Mangueira – “Tantinho, Memória Em Verde E Rosa” (Produção Independente, CD duplo, 2006); Wilson Moreira – “Entidades I” (Selo Rádio MEC/Rob Digital, CD/2002), disco também produzido por Paulão; e “O Samba É Minha Nobreza” (Biscoito Fino, CD/2002), que reúne diversos intérpretes e instrumentistas.

Paulão considera que a característica principal de seus arranjos seja o fato de que trabalha muito a percussão junto às harmonias.

Os maestros Ivan Paulo, o Carioca e Rildo Hora são as maiores influências de Paulão 7 Cordas como arranjador:

Carreira

Para Paulão 7 Cordas as principais fases de sua carreira musical são “a década de 1980 para gravações como violonista, e a atual como produtor.”
Entre essas duas fases, a mudança natural que vem acontecendo é o fato de que, “na primeira, eu gravei muitos discos; nesta fase atual, tenho atuado em estúdio mais como produtor.”

Como gravações mais representativas de cada uma destas fases, Paulão aponta, na primeira fase, o disco “Jeito Moleque” (RCA, LP/1988, CD/1996), de Zeca Pagodinho e, na segunda, o disco “Tudo Azul” (EMI, CD/2000), da Velha Guarda da Portela, do qual é o arranjador. (n. e.: no site http://www.discosdobrasil.com.br/ estão catalogadas 485 músicas, em 58 discos, com arranjos de Paulão 7 Cordas).

“No maestro Ivan, a eficiência para resolver os problemas de harmonia e sua condução das gravações de estúdio. Do maestro Rildo observo muito a originalidade e o uso de formações camerísticas junto com as percussões de samba.”

Preferências

Para si mesmo, Paulão 7 Cordas gosta de tocar músicas de João Pernambuco.
Para ouvir, Radamés Gnattal i, Baden Powell, Jacob do Bandolim, Pixinguinha, Noel Rosa e Cartola. “Tudo desses caras é maravilhoso.”

Os discos de Marco Pereira, Dominguinhos, Radamés Gnattali, Andrés Segovia, Julian Bream, Hamilto n de Holanda, Nei Lopes, Elton Medeiros,Cristina Buarque, Paulo Be l linati “e etc.”, são os que Paulão mais ouve repetidamente.

Paulão “gostaria de ter participado da gravação da suíte‘Retratos’, de Radamés Gnattali e Camerata Carioca” (“Tributo A Jacob do Bandolim”, WEA, LP/1979, CD/1994).

A suíte “Retratos”, de Radamés Gnattali, é a composição que Paulão gostaria de ter feito, assim como são também de Radamés os arranjos que gostaria de ter assinado.

Como comentário final, Paulão 7 Cordas diz: “Gosto de música instrumental brasileira.”

Discografia

Como instrumentista e arranjador, ver http://www.discosdobrasil.com.br/ .

Fonte: [http://musicosdobrasil.com.br/paulao-7-cordas]

Edição: [Ygor Furtado]

Entrevista: Paulão Sete Cordas

Violão de 7 Cordas no Brasil!.(04)

2009-04-06T21:04:00.000-07:00

Violão 7 Cordas

Na Renascença, período que marca o final da Idade Média, os violões (na verdade, ainda chamados "quitaras") eram encordoados comumente utilizando-se 4 pares de cordas afinadas em uníssono. Cada par era chamado uma "partida". O uso de cordas duplas era um artifício para compensar a sonoridade ainda deficiente das caixas de ressonância. Durante o Barroco, firmou-se o uso de cinco partidas (10 cordas) com uma grande variedade de afinações, algumas delas bastante semelhantes entre si. Durante o século XVIII, difundiu-se o uso de 6 partidas para, finalmente, a partir de 1800, estabelecer-se como padrão o uso de 6 cordas simples para os violões na Espanha e em grande parte da Europa.

O violão de 7 cordas nasceu, com alguma certeza, na Rússia do século XIX a partir da kobza, instrumento típico do Leste Europeu, muito semelhante ao alaúde barroco e a mandora germânica. Todos estes, na verdade, pertencem a uma complexa família de instrumentos de corda mediavais e renascentistas com origens na Pérsia, na África e na Índia.
Atribui-se ao lituano Andrei Sychra (177?-1850) a "invenção" do violão de 7 cordas. De fato, Sychra escreveu inúmeras peças para o instrumento que se tornou mais popular na Rússia que o violão de 6 cordas usado na Espanha. Ao migrarem para outros países por motivos diversos, os lituanos saudosos de sua terra transformavam os violões de seis cordas, mais comuns pela Europa e em outros países do mundo àquela época, adicionando improvisadamente uma corda adicional para, assim, poderem tocar suas canções prediletas da maneira original que as conheciam. A afinação do 7 cordas pelos russos era um acorde de sol maior aberto (DGBDGBD), proporcionando uma sonoridade característica e facilitando a formação de acordes para o acompanhamento de canções e a utilização de linhas de contra-baixo simples, alternando-se entre as cordas. O violonista francês Napoleon Coste (1805-1883) compôs várias peças para o violão de 7 cordas.
O Brasil, apesar de ser a segunda pátria do violão 7 cordas, sem dúvida, foi a terra mais fértil onde floresceu este instrumento. Relata-se que os responsáveis pela sua chegada em nosso país foram ciganos russos que viveram no bairro do Catumbi, Rio de Janeiro, em meados do século XIX. Da convivência entre os ciganos e os músicos e construtores cariocas, nasceu o violão de 7 cordas brasileiro. Entretanto, é certo que a adaptação do instrumento ao universo do choro e do samba deu-se a partir do início do século XX. O violonista China, irmão de Pixinguinha, aparece em uma fotografia de 1910 empunhando um violão de 7 cordas. O papel de Tute, violonista membro do grupo de Pixinguinha e Benedito Lacerda, é tido como o mais relevante na introdução do instrumento nos estilos brasileiros.
O fenômeno Horondino José da Silva, o Dino 7 Cordas, foi de longe o violonista mais importante para o desenvolvimento das típicas linhas melódicas dos baixos, as chamadas "baixarias", que se tornaram a marca principal do instrumento quando executado entre os "chorões". Dino dizia que "achava lindo o Tute tocando aquele violão, mas não queria que ele pensasse que eu o estava imitando, então só comecei a tocar sete cordas depois que ele morreu". Estudiosos sugerem que "Dino criou a linguagem brasileira do violão 7 cordas enquanto tocava com o duo de flauta de Benedito Lacerda e Pixinguinha em seu sax tenor que fazia maravilhosos contrapontos graves durante as apresentações" (Mauricio Carrilho; Luiz Otávio Braga).
No Brasil as afinações mais comuns para o 7 cordas são BEADGBE, DEADGBE e, principalmente, CEADGBE. Luiz Otávio Braga inovou ao usar pela primeira vez cordas de náilon no sete cordas, quando entrou para a Camerata Carioca de Radamés Gnattali, em 1983. Instrumentistas como Raphael Rabello, Mauricio Carrilho, e Yamandú Costa contribuiram pela universalização do instrumento, utilizando-o em peças dos mais variados estilos, cada um deixando sua marca individual neste instrumento maravilhoso.

Publicado por: Antônio de Pádua Gomide.

Fonte: [http://www.apgomide.com/Instrumentos/Classic_Guitar_Special/7cordas.html]

Edição: [Ygor Furtado]

Antonio de Pádua Gomide.(APG)

2009-04-06T20:19:00.000-07:00

UM POUCO DA MINHA HISTÓRIA

Meu nome é Antônio de Pádua Gomide. Desde de muito garoto, me lembro ser fascinado pelos sons dos instrumentos musicais. Venho de uma família de músicos e fui muito cedo iniciado nos mistérios da Divina Arte, por minha mãe que é professora de piano.

No final da década de 1980 comecei a me interessar pela construção de instrumentos. Nesta ocasião, atuando como professor de violão, percebi que vários alunos não tinham motivação suficiente para aprender. Muitos chegavam até mesmo desistir dos estudos devido a precariedade dos instrumentos. O fato era que os violões por eles utilizados não apresentavam sonoridade satisfatória e eram difíceis de serem tocados.

Ao fazer reparos em instrumentos de alguns alunos descobri um novo e grande universo. Comecei a perceber que cada violão era diferente tanto pela maneira como se deixava tocar, quanto pela sua forma, pela voz, pelo timbre, pelo volume, etc. Assim, apenas tocar os instrumentos não satisfazia mais a minha curiosidade, por isso fui em busca dos primeiros fundamentos da Arte da Lutheria.

Naquela época entrei em contato com o grande luthier Roberto Gomes (http://www.gomes.guitars.nom.br/), pedindo-lhe instruções sobre como poderia construir meu próprio violão. Ele sugeriu que me matriculasse em um curso de restauração de instrumentos musicais na escola de lutheria de São João Del Rei, na Universidade Federal de São João Del Rey (antiga FUNREI). Ali iniciei-me na bela arte de construção de instrumentos de corda. Muito incentivado pelo Roberto Gomes, tornamo-nos grandes amigos. Ele me dizia que eu possuía uma mão muito boa para lutheria. Eu, humildemente, acreditava nisso, pois sempre trabalhei com as mãos, ora com artesanato, ora como músico. Passei então a desenvolver meus primeiros modelos e a partir daí não parei mais.
Estudando os modelos desenvolvidos pelos grandes mestres da lutheria mundial, como José Ramirez, Antônio de Torres, Miguel Rodrigues, Ignácio Fleta, Hermann Hauser, Daniel Frederich, entre outros, fiz cópias e desenvolvi modelos seguindo as normas e princípios formulados por eles. Meu objetivo era descobrir as diferenças básicas entre os trabalhos dos grandes mestres, vindo, desta forma, a aprimorar minha técnica e desenvolver instrumentos que fossem de alta qualidade.
Com instrumentos de qualidade e preço acessíveis, eu poderia atender não só os iniciantes, mas também músicos experientes que já sabem o que procuram, podendo escolher características específicas para seu instrumento: timbre, volume, afinações, etc.
Os instrumentos, então, uniram a apresentação visual das belas madeiras usadas, o som bem temperado e o conforto para o músico. É isso que busco oferecer aos meus clientes. Além de manter-me atento aos requisitos da tradição de se produzir bons instrumentos, estou sempre experimentando, inovando, buscando novas formas e meios de conseguir o máximo em beleza, qualidade sonora e tocabilidade.

Comentário de Musicos Sobre: Antônio de Pádua Gomide.

Nelson Faria.

Antonio de Padua Gomide para mim é um nome que remete a trabalho, paixão e arte. Alguém que consegue transferir para um pedaço de madeira, sentimento e emoção. Seus violões "falam" mais bonito, com um som que vem da alma.. Quando toquei em um violão APG pela primeira vez fiquei totalmente fascinado com a sonoridade , o acabamento e a projeção do som. Imediatamente entrei em contato com o Antônio para encomendar o meu. Admiro também este luthier pela flexibilidade e humildade em fazer modificações de acordo com as nossas necessidades. Parabéns Antônio, a música agradece o seu empenho e a sua arte! Nelson Faria é compositor, arranjador, guitarrista e violonista (www.nelsonfaria.com)...

Bartholomeu Wiese.

"Antonio de Pádua, através de um trabalho científico sério - pesquisas na área da engenharia florestal, microscopia - aliado à sua paixão pelo violão, vem mostrando, e a cada momento surpreendendo com suas novas descobertas, o que há de melhor na arte da lutheria. Tenho me apresentado com seus violões e me sinto plenamente realizado. Parabéns Antônio!" Bartholomeu Wiese, violonista, professor de violão na Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro, integrante do tradicional grupo de choro carioca Galo Preto.

Willians Pereira.

"Uma das coisas com as quais mais me identifiquei com ele foi sua capacidade de inventar. Uma qualidade fruto de muita pesquisa e um amor sincero e profundo por música e madeira. Seu nome é Antônio de Pádua Gomide." Willians Pereira foi um grande amigo que nos deixou para ir ao encontro do Criador. Foi compositor e violonista (http://www.willianspereira.com/).

Alexandre Gismonti.

"Antônio de Pádua é uma grande pessoa. Partindo do princípio de que, para alcançarmos a maestria no trabalho, seja qual for o ofício, precisamos ser, sobretudo, boas pessoas; Ele já saiu em vantagem.E foi com esta vantagem que, ao longo de anos e anos de dedicação e trabalho com madeira, alcançou uma autêntica maestria na arte da lutheria.Fico muito feliz de ter encontrado no meu caminho esse grande luthier, Antônio de Pádua Gomide. E o agradeço imensamente pela paciência e simpatia de sempre." Alexandre Gismonti é violonista e compositor. O sobrenome herdado de seu pai, Egberto Gismonti, significa música no idioma "brasilês". Para conhecer mais sobre o trabalho de Alexandre, acesse http://www.alexandregismonti.com/.

Marcus Llerena.

" O violão Antônio de Pádua reúne todos os requisitos que um instrumento de alta qualidade deve possuir, madeiras selecionadas com algum histórico nobre, sonoridade densa e equilibrada que facilita e embeleza a execução musical. Como Luthier conseguiu assimilar com destreza todas qualidades que a arte ancestral dos grandes mestres, reverencia e aplaude". Marcus Llerena é violonista, compositor e arranjador.

Graça Alan.

"Instrumento que cresce nas mãos do violonista. É assim o violão do luthier Antônio de Pádua. Instrumento e instrumentista que interagem com espontaneidade resultando, em palco, num trabalho de toque refinado e de alta qualidade na performance. Instrumento e luthier dignos de constarem na lista dos grandes construtores e artistas do cenário violonístico." Graça Alan é compositora e violonista. professora de violão na Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro.

Maxwell de Oliveira.

"Os violões assinados por Antônio de Pádua são únicos: combinam timbre, ótimo acabamento, sustain, equilíbrio e ótima relação custo/benefício. Além de reproduzir alguns dos projetos de violões mais consagrados do mundo, ele desenvolveu um projeto de violão raro de se ver: timbre belíssimo, sonoridade robusta, equilibrado e acabamento impecável. Certamente o nome Antônio de Pádua estará gravado nas páginas da história dos artístas/construtores desse país!" Maxwell de Oliveira é compositor e violonista.

Daniel Waters.

Antônio, que instrumento maravilhoso você criou para mim! Êste violão de 7 cordas é uma verdadeira festa. Cada vez que abro o estojo, eu me delicio com a sutileza do acabamento e os detalhes originais do instrumento. Mas o milagre mesmo é o som, que é equilibrado e lírico sem deixar de ter surpreendente alcance e volume. O violão reage com entusiasmo, e é um parceiro vivo cujos limites ainda não encontrei. Sinto-me como se estivesse montado num cavalo de raça. Sei que este violão irá aprofundar a minha musicalidade e me proporcionar alegria por muitos anos no futuro. - Daniel Waters é músico, compositor e poeta na ilha de Martha's Vineyard.

Luiz Naveda.

"Primeiro, o trabalho:Acompanho o trabalho do Luthier Antônio de Pádua já faz 12 anos. A parte mais importante de minha vida musical e pessoal foi influenciada pelo diálogo com essa simpática caixa de música, jacarandá-da-bahia e pinho, arquitetado a força sobre um belo violão concebido em sua oficina. Meu Torres n.14 foi o laboratório para minha pesquisa de mestrado em 2002 que envolveu timbre, volume e psicoacústica na produção de som no violão. Este instrumento suportou gravações, grandes teatros no Brasil, no exterior, salas de câmara, horas de estudo, contextos acusticamente complicados, formações com oboé e piano, na maioria das vezes sem amplificação. Ainda hoje percebo que ele me desafia e convida a explorá-lo, não cedendo a caprichos e se adaptando perfeitamente à diversidade e contraste da música latino-americana, contemporânea e ao equilíbrio do repertório clássico. Mais que isso, esse instrumento amadurece comigo.Segundo a confiança:Antônio carrega a mais marcante dualidade dos artistas: afinco e paixão. Antônio não faz violões somente por encomenda ou para que alguém os compre. Em sua oficina os violões sempre estão por lá, como que surgindo por vontade própria. São violões para soar, para serem tocados, tal como que escolhessem seus donos, e não o contrário. Ter um violão com afinco deste Luthier é levar consigo anos de técnica, madeiras únicas, historia, arte e diversidade. Neste violão feito com paixão impera a confiança dos artistas: instrumentos com personalidade, expressão e o cuidado eterno de seu construtor. " Luiz Naveda é violonista clássico.

Fonte:[http://www.apgomide.com/historia.html]
Edição: [Ygor Furtado]

Nelson Faria tocando Samba do Avião no seu violão exclusivo Classic Cutway NF, construído por Antônio de Pádua Gomide em Viçosa, MG.

Alexandre Gismonti & Seu Violão APG - Choro Nº1

Violão Giannini 7 Cordas GWNC1 Sevilha

2009-04-06T10:29:00.000-07:00

O já consagrado modelo Sevilha de sete cordas, possui tensor regulável e reforço no braço, para o instrumentista ter ainda mais segurança no seu violão Giannini. Esse violão conta com tampo em Red Cedar Maciço, fundo e lados em Pau Ferro Laminado, braço em Cedro com tensor, escala em Pau Ferro, tarraxas em Pino Grosso Dourado e 19 trastes em Alpaca.

Informações Técnicas:

- Tampo em Red Cedar Maciço - Fundo e Lados em Pau Ferro Laminado- Braço em Cedro c/ Tensor - Escala em Pau Ferro- 19 Trastes em Alpaca- Tarraxas em Pino Grosso Dourado

Por R$556,00

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Edição: [Ygor Furtado]

Violão Caimbé Midi JDV 7 Imbuia.

2009-04-06T10:16:00.000-07:00

O Caimbé JDV 7 é um violão Flat que apresenta braço em Cedro, corpo com tampo maciço de Imbuia e fundo em marupa com acabamento de textura preta, escala em Jacarandá com 22 trastes, tarraxas blindadas e douradas com acabamento em preto, tensor com chave padrão 3 mm de dupla ação, captador Caimbé Eptafonico(sete captadores) e pré equalizador Caimbé com volume individual por corda, saídas P10 e MIDI 13Pinos. Além de timbre aveludado, ponte reajustavel e volume individual para a 7ª corda.

Informações Técnicas:

- Violão Midi 7 Cordas- Corpo com Tampo Maciço de Imbuia e fundo em Marupa com acabamento de textura preta- Escala em Jacarandá- 22 Trastes- Tarraxas Blindadas e Douradas com acabamento em preto- Tensor com chave padrão 3 mm de dupla ação - Captador Caimbé Eptafonico(sete captadores) e Pré Equalizador Caimbé com volume individual por corda- Saídas P10 e MIDI 13Pinos- Timbre aveludado - Ponte Reajustavel- Volume Individual para a 7ª corda

Por R$1.999,00

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Edição: [Ygor Furtado]

CAPTADOR DIMARZIO BLASE 7 (DP 701)

2009-04-06T09:02:00.000-07:00

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Edição: [Ygor Furtado]

Rogério Caetano.

2009-04-05T23:00:00.000-07:00

Rogério Caetano de Almeida* 26/10/1977 Goiânia, GO, Brasil.Instrumentista, arranjador, compositor.

Formação

O avô materno de Rogério Caetano tocava pé-de-bode (sanfona de oito baixos). O avô paterno era violeiro da cidade de Goiás, “catireiro” - termo relativo à catira ou cateretê, dança rural comum em Goiás, Minas Gerais e Sul do Brasil. Os pais, apesar de não tocarem nenhum instrumento, “sempre tiveram uma ligação muito grande com a música”.
“Minha lembrança mais antiga é uma música cantada pelo Rolando Boldrin, de Jacaré (Antônio da Silva Torres), chamada ‘Goianinha’ (“Jacaré – Choro Frevado”, Funarte/ Atração Fonográfica/ Instituto Itaú Cultural, LP/1985, CD/1998), que minha mãe punha pra eu ouvir na hora de dormir.”

Não demorou para os pais perceberem a aptidão especial para a música quando, com menos de cinco anos de idade, Rogério começou a “tirar umas músicas de ouvido no violão lá de casa. Como o violão era muito grande para mim, meu pai falou que ia me dar um ‘violãozinho’ e comprou um cavaquinho. Foi meu primeiro instrumento”.

O primeiro professor foi Enéias Áquila, “grande músico de Goiânia, cavaquinista e baterista, mestre de muita gente de lá. Eu era muito novinho. Tinha seis anos de idade. Só lembro que tirava as músicas de ouvido, mostrava pro meu professor e ele resolvia as minhas dúvidas."

De tudo o que Rogério Caetano aprendeu ficou a certeza: “Além do treinamento do ouvido, de tirar as músicas sozinho, fator importantíssimo na minha carreira, o que mais valeu para mim foi a convivência com o choro e o samba, dois gêneros brasileiros que se tornaram minha principal referência na música”.

Houve alguém decisivo em sua formação musical: Nonato Mendes, baixista. “Ele abriu minha cabeça, tirou vários mitos, me mostrou outras informações da música mundial, de maneira geral. Ele foi decisivo na minha formação e na minha maneira atual de tocar e de enxergar a música.”

Rogério foi autodidata apenas no início.

“Aprendi a tocar violão de sete cordas sozinho, tirando as gravações de grandes como Dino Sete Cordas, Raphael Rabello e Valdir Silva. Eu tocava tudo intuitivamente, sem muita consciência. Só depois fui estudar harmonia, entender o que eu tocava. Tive acesso a informações características do jazz, de samba e choro, e desenvolvi minha própria maneira de tocar violão de sete cordas. Com a fusão de todos esses elementos, consegui desenvolver uma maneira de tocar. Isso foi sozinho, eu não sei explicar.”

Entre os músicos que Rogério Caetano considera os mais importantes para sua formação estão Nonato Mendes e outros mestres que lhe apresentaram o universo da música brasileira:

“O maestro Geraldo Amaral, que me ensinou leitura musical; Alencar 7 Cordas, que foi meu professor de harmonia; Fernando César e Hamilton de Holanda, grandes irmãos com quem aprendi muito tocando no grupo Dois de Ouro (1998-2002); e Daniel Santiago – ele, o Hamilton de Holanda e eu formamos o Brasília Brasil (n.e.: trio que se apresentou em várias capitais brasileiras e, também, nos Estados Unidos e Europa, em 2003; tem um disco – “Brasília Brasil – Abre Alas” [Caravelas, CD/2001]). Com eles aprendi a ter maturidade tocando, a me comportar como artista nas gravações, em shows, nos ensaios... Eles são grandes irmãos”.

Professor

Rogério Caetano foi professor da Escola Brasileira de Choro Raphael Rabello e da Escola de Música de Brasília. Hoje, dá aulas particulares.
Os alunos que mais o procuram são “em geral adultos, acima dos 20 anos”, profissionais ou em nível mais avançado do estudo da música.

Rogério ensina sete cordas, harmonia e improvisação. “Eu procuro passar minha experiência de uma forma bem prática, nós dois com o violão na mão, tocando. Mostro para o aluno o lugar onde as baixarias costumam acontecer, como elas podem ser feitas e executadas; estudamos isso no repertório, em todas as tonalidades e em todo o braço do instrumento.”

Rogério recomenda outras fontes em que também aprendeu: Almir Chediak, “Harmonia & Improvisação” (I e II, Lumiar Editora, 1986) e Luciano Alves, “Escalas para improvisação” (Irmãos Vitale, 2ª ed./1997). E, para ser lançado, o “Método Alencar 7 Cordas de Harmonia”, sobre árvores harmônicas.

Instrumentista

“Esse eu posso dizer que domino, sem falsa modéstia.” Assim Rogério Caetano fala sobre seu instrumento, o violão de 7 cordas.
Para acompanhar, prefere as cordas de aço; para solo, as de náilon.

Para estudar, “eu pego o violão e fico tocando, qualquer hora é hora. Quando vejo, passei o dia tocando”.

“Tenho o violão como um companheiro muito próximo. Fico com o violão o dia inteiro se puder. Não divido tempo de estudo. Costumo fazer sempre exercícios de técnica de mão direita e escalas para aquecer, depois pego o violão e fico tocando. Às vezes estudo ouvindo música, acompanhando o CD, ou tocando sozinho.”

Rogério Caetano considera que seu jeito de tocar é definido principalmente pelo fraseado, pelo uso de escalas que não são muito utilizadas no universo das sete cordas, “mas com a linguagem brasileira. Procuro fazer fraseologicamente ritmos diferentes dos que já foram feitos”.

A maneira de improvisar “é muito em cima do samba e choro, utilizando os conhecimentos do jazz, as escalas simétricas, as dominantes diminutas, escalas diminutas, escalas de tom inteiro, escalas alteradas, pentatônicas. Mas é muito natural, a mão vai antes da cabeça”.

Sua assinatura musical “é meu jeito de tocar, a fraseologia, o meu som. A pegada forte, essa forma de ter que tocar pra fora, tirando bastante som”.

Dino Sete Cordas, Raphael Rabello e Valdir Silva são suas maiores influências como instrumentista.

“Na adolescência, eu tirava tudo o que eles gravaram e tocava igualzinho. As gravações do Dino mais importantes pra mim foram as realizadas com o Regional do Canhoto, formado pelo trio de cordas Dino Sete Cordas, Meira e Canhoto; e as realizadas pelo Conjunto Época de Ouro. Do Valdir são as que ele fez com Roberto Ribeiro. E o Raphael acho que tudo, ele era genial, ele foi minha maior influência, com certeza.”

Compositor

Rogério Caetano compõe desde os “14, 15 anos, aproximadamente. Quando eu já tinha uma certa maturidade harmônica. Já me arriscava mais.”
Gravou o primeiro CD como participante do grupo Brasília Brasil ("Abre Alas", Caravelas, 2001); o segundo, solo, ("Pintando O Sete", Rob Digital, 2006) foi gravado entre 2003 e 2004; no terceiro – ainda a ser lançado -, o violonista se dedica a solar composições próprias ao violão de sete cordas, com as participações especiais de Hamilton de Holanda, Eduardo Neves e Leandro Braga.

O jeito de compor é natural, intuitivo. “Mas tem música que eu paro, não consigo terminar e tenho que trabalhar nela depois.”
Rogério Caetano terminou o Bacharelado em Composição Musical, na Universidade de Brasília (UnB), em 2004.

“O curso foi importante para que pudesse entender melhor a maneira mais erudita de compor, com uma ciência maior. Uso a intuição, mas também paro para pensar e experimentar outras técnicas de composição.”

“Minhas composições são baseadas no universo do choro e samba, mas também experimento novas harmonias, ritmos, sem preconceito nenhum. Procuro sempre manter na música minhas idéias fraseológicas. Tenho composições feitas para violão sete cordas de aço solar, acompanhado por outros instrumentos e músicas feitas para o violão solo, violão cheio, com harmonia.”

Ele define suas composições mais características como virtuosísticas, pela forma de tocar: “Folia das cinco” (gravada nos dois primeiros discos), “Correr com medo” e “Agora é a hora” (em "Pintando O Sete").

Quanto às mais líricas, cita três valsas para violão solo: “Milena” e “Nosso amor” (em "Pintando O Sete"), dedicadas à sua mulher, e “Fraterna”, para o violonista Fernando César.

Dos compositores que mais admira cita Garoto, “pela modernidade de sua obra”; Hélio Delmiro e Marco Pereira, “pelo destaque melódico e harmônico que eles dão a suas obras”; e Raphael Rabello, “pela desenvoltura no instrumento e a utilização de todo o braço do violão em suas composições”.

Fã confesso de Pixinguinha, Jacob do Bandolim, Nelson Cavaquinho, Cartola, Tom Jobim, Luiz Gonzaga, Dorival Caymmi e Chico Buarque, sua lista inclui ainda Beethoven, Chopin, Debussy, Samuel Barber e John Williams, entre muitos outros.

Arranjador

Autor de arranjos para formação de conjuntos de choro e de samba, para trio e para orquestra de violões, Rogério Caetano os elabora “para somar à música, para ela ficar ainda mais bonita e, não, para competir com o original”.
Entre eles, destaca o que fez para a Orquestra de Violões de Brasília, de "Valsa para o Guinga", de Milena Tibúrcio (CD "À Moda Brasileira, Tratore, 2003); e dois arranjos de samba para o CD de Juliana Diniz (“Juliana Diniz”, Universal Music, 2005) além dos que fez para grupo de choro para o disco "Piquenique – Choros e Valsas" (Produção Independente, 2005), com composições de João Tomé.

"Fiz arranjos para umas músicas de Milena, para o CD dela ("Milena Tibúrcio, Produção Independente, 2005) e para um curta de animação chamado "Os rins da ovelha", (n.e: baseado em conto homônimo, de João Monteiro) dirigido por Betse de Paula, em 2003.”

Influências importantes em termos de arranjo: Radamés Gnattali, Villa-Lobos, Pixinguinha, Leandro Braga e Cristóvão Bastos.

“Admiro como eles transitam nesse universo. Fazem até parecer fácil.”

Carreira

Para Rogério Caetano, estas são as principais fases de sua carreira:
“A formação básica, o amadurecimento como instrumentista (na adolescência) e a fase atual, atingindo cada vez mais pessoas, tocando pra muita gente importante, pro povo brasileiro, pras pessoas de outro país. Isso é o principal, cada vez atingir mais pessoas com minha música”.

Hoje, se percebe “mais maduro, seguro, mais certeiro”, enquanto se dedica à carreira de violonista solo, sem deixar no entanto de acompanhar outros músicos.

Quanto às gravações mais representativas, Rogério Caetano destaca o CD “Abre Alas” (Caravelas, 2001), do trio Brasília Brasil, na fase inicial. Das gravações atuais, como solista, destaca “Pintando O Sete” (Rob Digital, CD/2006), o disco que, no momento da edição deste verbete, está gravando, e a participação no projeto “Violões do Brasil”, organizado por Myriam Taubkin, que redundou em livro, CD e DVD, lançados em 2005 ( http://www.projetomemoriabrasileira.com.br/).

Como músico acompanhante aponta “Tantinho, Memória Em Verde E Rosa”, de Tantinho da Mangueira (Devanir Ferreira) (Produção Independente, CD/2006), “Acústico MTV Zeca Pagodinho 2 – Gafieira” (Universal Music, CD/2006), “Acariocando” (EMI, CD/2006), de Ivan Lins, e os CDs "Roda De Samba" e "Encontros Musicais", da trilogia "Inédito E Eterno" (Selo Rádio MEC, 2007), lançada pelo compositor Délcio Carvalho.

Preferências

Rogério Caetano gosta de tocar tudo, principalmente música brasileira: forró, choro, samba, valsa, frevo, música caipira. “E também bolero.”
Ouve também de tudo.

De seresta, Nelson Gonçalves, especialmente a música “Mágoas de caboclo”, de Leonel Azevedo e J. Cascata, e o CD "Carinhoso – As Mais Belas Canções Românticas Brasileiras" (Polygram/Philips, 1993), de Jair Rodrigues.

Do samba, Roberto Ribeiro, João Nogueira, Clara Nunes, Beth Carvalho, Fundo de Quintal e Zeca Pagodinho.

De música caipira, Rolando Boldrin, Tião Carreiro e Pardinho, e Zé Mulato e Cassiano.

E ouve “muito” os CDs de Raphael Rabello, especialmente a música “Pedra do Leme” – de Toquinho e Raphael Rabello, gravada em “Cry, My Guitar” (GSP Recordings, CD/2005), e “Rafael Rabello” (Visom Digital, LP/1988; Acari Records, CD/2005); os discos de Hélio Delmiro, e a música “Violão”, de Sueli Costa e Paulo César Pinheiro, por Fátima Guedes (“Pra Bom Entendedor”, Velas, CD/1993). E Luiz Gonzaga - "50 Anos De Chão" (RCA/BMG, LP/1988, CD/1996), caixa com três discos -, Nelson Cavaquinho, Cartola...

Rogério Caetano ouve, repetidamente, as músicas “Adágio para cordas”, de Samuel Barber, “Sonata ao luar”, de L. V. Beethoven, “Emotiva” e “Chama”, de Hélio Delmiro, “Flor das águas”, de Marco Pereira, e “Homenagem a Chiquinho do Acordeon”, de Dominguinhos.

Sonhos não realizados:

“Queria ter gravado com três grandes nomes da música brasileira: Roberto Ribeiro, Luiz Gonzaga e Nelson Gonçalves”...

“...ter escrito o arranjo do Leandro Braga para a música ‘Saudade da Guanabara’, do CD de Aldir Blanc (“Aldir Blanc – 50 anos”, Alma Produções, 1996)”...

“... ter feito o ‘Adágio para Cordas’, de Samuel Barber”.

Discografia

Ver http://www.rogeriocaetano.com/ e, também, como instrumentista, arranjador, compositor, participações especiais e intérprete principal, ver http://www.discosdobrasil.com.br/ .

(Verbete editado por Célia Cassis a partir de questionário respondido pelo próprio músico, com informações adicionais por Maria Luiza Kfouri.)

Fonte: [http://musicosdobrasil.com.br/rogerio-caetano]
Edição: [Ygor Furtado]

AGORA É A HORA - Rogério Caetano, Luis Barcelos e Amoy Ribas

Danilo Brito e Rogério Caetano - Espinha de Bacalhau

Maurício Carrilho.

2009-04-05T22:38:00.000-07:00

Maurício Lana Carrilho* 26/03/1957 Rio de Janeiro, RJ, Brasil.Instrumentista, arranjador, compositor, ensaísta.

Formação

Maurício Carrilho já nasceu com seu sobrenome inscrito na história da música brasileira por causa de seu tio, o flautista Altamiro Carrilho. Mas a ligação da família com a música vem de mais longe ainda.

"Na família de meu pai, temos conhecimento de músicos nas quatro gerações que antecederam a minha. Eram músicos de banda, em Santo Antônio de Pádua, RJ, e músicos amadores, violonistas, seresteiros, etc. Na família de minha mãe, de Guaxupé, MG, também havia um tio seresteiro. O primeiro músico da família a se profissionalizar foi o meu tio Altamiro. Meu pai, Álvaro, se profissionalizou em música só depois de se aposentar."

Portanto, não é de se estranhar que a memória musical mais remota de Maurício esteja ligada exatamente a seu tio.

"A Bandinha de Altamiro Carrilho, eu era fascinado por ela. Em 1964, com sete anos, eu comecei a me encantar pelo choro, especialmente por um LP do Altamiro chamado 'Choros Imortais' (EMI-Odeon, LP/1964, CD/1999)."

Seria natural, então, que o menino começasse a estudar música tocando flauta. Mas não foi assim.

"Comecei estudando piano, aos cinco anos. A professora era uma mala! Me repreendia sempre que eu tocava de ouvido. Fiquei traumatizado com esse instrumento. Com nove anos, tive minha primeira aula de violão com Dino (n.e.: Horondino José da Silva, o Dino Sete Cordas). Um ano mais tarde, fui estudar com o Meira (n.e.: Jayme Florence, o Meira), com quem permaneci até os 15 anos, mais ou menos. Um dia, ele me disse que não precisava mais ter aulas com ele, que eu devia arranjar uns alunos, e que eu estava convidado a ir à sua casa, tocar com ele, sempre que tivesse vontade."

"Mais tarde, já profissional, eu estudei violão clássico com João Pedro Borges e harmonia e arranjo com Ian Guest. Cursei, sem me formar, medicina na UEG (UERJ), composição na UFRJ e licenciatura em música na UNIRIO."

O método preferido de seus dois primeiros professores de violão – Dino Sete Cordas e Meira – já nasce com o músico e deve ser, apenas, aprimorado.

"Com Dino eu não usava nenhum livro. Ele ensinava umas seqüências de acordes que me foram bem úteis pra tocar de ouvido. Meira usava um método de violão que se chamava 'La Escuela de la Guitarra Moderna', de Mario Arenas (7 livros, Editora Ricordi). E na maior parte da aula, que durava três ou quatro horas, tocávamos de ouvido."

De seu aprendizado, o que ficou para Maurício de mais útil e agradável?

"Aprendi a ler música com Meira, porém o treinamento de percepção feito por ele, em que eu aprendia melodias de ouvido e improvisava harmonias para melodias desconhecidas, talvez tenha sido o mais importante e fundamental para minha formação."

Para Maurício, "Meira no violão, no treino rítmico, harmônico, na malandragem de tocar de ouvido e, mais tarde, Radamés Gnattali, pelo aprofundamento da linguagem musical brasileira, pela música de câmera, sinfônica e pelos arranjos", foram as figuras fundamentais em sua formação musical.

O auto-didatismo teve lugar nesta formação?

"Partindo do treinamento dado por Meira e do incentivo de Radamés Gnattali eu acabei criando minhas coisas, que hoje tento passar adiante como professor."

Muitos outros músicos – profissionais ou não – com quem Maurício conviveu e convive foram e são muito importantes para o músico que ele é hoje.

"Essa lista é imensa, não pára de aumentar, e vai me obrigar a cometer injustiças, mas vamos lá. Desde meus mestres - Altamiro Carrilho, Meira, Dino Sete Cordas, Radamés Gnattali -, passando por músicos amadores, com quem aprendi e por quem fui incentivado (meu pai, Ricardo Dias e o Dr. Sérgio Régis, estes dois últimos violonistas, foram os mais importantes), até os companheiros de trabalho: Raphael Rabello e Luciana Rabello, João de Aquino, Pedro Amorim e Paulo Sérgio Santos, Arismar do Espírito Santo, Paulo César Pinheiro, Nailor Proveta, Toninho Carrasqueira, Paulo Aragão, Marcelo Bernardes, Pedro Paes, Cristóvão Bastos e Rui Alvim.

Com Raphael Rabello e Luciana Rabello percebi que sabia tocar choro. Com João de Aquino aprendi que, ritmicamente, eu tocava um violão diferenciado. Com Pedro Amorim aprendi a tocar em duo. Com Paulo Sérgio Santos aprendi a ensaiar e preparar, cameristicamente, uma peça. Com Arismar do Espírito Santo aprendi a me arriscar, improvisando. Com Paulo César Pinheiro aprendi que teria a responsabilidade, como violonista acompanhador, de representar a escola de Meira e Baden Powell, e o dever de compor. Com Nailor Proveta aprendi a ver nossa música como uma linguagem musical. Com Toninho Carrasqueira eu compreendi que a música, ao contrário dos seres humanos, tem alma. Com Paulo Aragão eu aprendo todo dia. Tudo que deixei de estudar, por negligência ou falta de oportunidade, ele estudou e estuda. Embora seja meu aluno em algumas matérias, é meu principal conselheiro musical nas horas mais difíceis. Com meu pai aprendi a não me sentir nunca melhor ou pior do que ninguém."

Professor

Maurício Carrilho ensina música regularmente para alunos iniciantes, avançados e, também, para profissionais.
Ensina "violão, especialmente acompanhamento de música brasileira, e composição de choro."

Seu método de ensino vem sendo desenvolvido ao longo dos anos de experiência com a Escola Portátil de Música.

"Estamos sistematizando, na EPM, o conhecimento da linguagem do choro. Criamos nosso próprio material didático, baseado no conteúdo dessa linguagem, transmitido de geração a geração, por tradição oral, durante mais de 150 anos."

Os livros e métodos que Maurício recomenda aos seus alunos são:

"Para estudo da história do choro os livros de Ary Vasconcellos – 'Carinhoso etc. História e inventário do choro' (1984), 'Raízes da Música Popular Brasileira (1977), 'Panorama da Música Popular Brasileira na Belle Époque' (1977) - e de Humberto Franceschi – 'A Casa Edison e seu Tempo' (Sarapuí, Biscoito Fino, 2002) -, além do fabuloso 'O Choro', de Alexandre Gonçalves Pinto (Funarte, 1978). Para repertório do choro os 'Cadernos de Choro', da Acari Records, e as apostilas da Escola Portátil de Música."

Como professor e, certamente, seguindo seus mestres, Maurício Carrilho diz: "Tento passar minha experiência de músico e compositor, usando o mínimo possível de regras, teorias, e o máximo de percepção musical."

Instrumentista

Maurício Carrilho toca violões de seis e sete cordas e embora não aponte nenhuma preferência, "nos últimos 13 anos tenho tocado violão de sete cordas."
"Não tenho rotina de estudos. Há períodos em que fico o dia todo tocando e semanas em que nem encosto a mão no instrumento."

Quando estuda, Maurício prefere fazê-lo de manhã, horário em que "faço tudo melhor" e "normalmente, procuro tocar melodias tecnicamente difíceis. Acho mais estimulante do que fazer escalas."

Segundo Maurício, a característica principal de seu estilo como instrumentista reside no fato de ser "profundamente ligado à música brasileira, rítmica e harmonicamente; isto talvez me diferencie de alguns colegas."

A música brasileira é também, para ele, sua bússola na hora de improvisar.

"Uma vez eu ouvi Nailor Proveta dizer a um aluno: '- você quer improvisar? Então trate de estudar pra tocar de memória 200 choros. Depois disso você vai ter elementos para improvisar'. Acho que cumpro esse pré-requisito."

Os três instrumentistas que mais influenciaram Maurício Carrilho são Baden Powell, Meira e Dino Sete Cordas.

"Qualquer gravação desses músicos, ou minha, pode servir de exemplo destas influências."

Compositor

Logo em sua primeira composição, Maurício Carrilho teve um parceiro e tanto.
"A primeira melodia que compus eu tinha cinco anos. O Altamiro completou e gravou em 1967, quando eu completei 10 anos. A música é um maxixe, 'Toca bandinha', e o LP é 'Altamiro Carrilho e sua Bandinha no Largo da Matriz' (Copacabana, LP/1967)."

Maurício compõe regularmente e "na última vez que contei, tinha umas 750 músicas compostas, 90% instrumentais. Gravadas umas 80."

"Um dia eu descobri que poderia compor quando quisesse. Em 2005, me propus a compor todos os dias do ano ao menos uma música completa com, no mínimo, duas partes de 16 compassos. Do dia 1º de janeiro a 31 de dezembro foram 408 músicas. Atualmente, tenho composto peças de música de câmera e orquestrais que me estão sendo encomendadas por músicos, produtores, regentes, etc."

Como característica marcante de suas composições, Maurício aponta a predominância de uma determinada linguagem musical.

"A maior parte da música instrumental que fiz se localiza no universo do choro. Tenho procurado, com o meu trabalho, ampliar os horizontes dos gêneros que integram essa linguagem musical, tanto no aspecto rítmico e harmônico, quanto no que diz respeito à instrumentação. O grande número de choros que compus funcionam, também, como uma espécie de banco de idéias temáticas do qual me utilizo quando vou compor para orquestra e formações camerísticas."

Entre suas inúmeras composições, as que, para Maurício Carrilho, mais representam sua obra, são "no ambiente do choro, a série 'Choro Ímpar' (Acari Records, CD/2007), pelo que traz de novidade no uso de compassos até então incomuns no choro (3/4, 5/4, 7/8, 9/8, 11/8). Na música de concerto, a 'Suíte para Violão de Sete Cordas e Orquestra', primeira peça de concerto escrita para violão de sete cordas e orquestra sinfônica."

A influência principal que Maurício Carrilho identifica em sua faceta de compositor vem de Radamés Gnattali, "pela proximidade que tivemos quando eu começava minha carreira, ele representou sempre uma referência pra mim."

Arranjador

Maurício Carrilho faz arranjos para instrumentos solo, pequenos grupos e orquestras e tem dificuldade para apontar, entre seus arranjos, aqueles que seriam os mais representativos.
"Em determinada época eu cheguei a fazer mais de 250 arranjos por ano. É difícil eleger os mais representativos. Talvez os arranjos para a Camerata Carioca ("Tocar", Polygram/Philips/Universal, LP/1983, CD/2001), O Trio ("O Trio", SACI, CD/1993) e para o grupo com o qual trabalho atualmente, o Sexteto Maurício Carrilho ("Maurício Carrilho – Sexteto + 2", Acari Records, CD/2004, e “Choro Ímpar”, Acari Records, CD/2007), me despertem certa predileção." (n.e.: o site http://www.discosdobrasil.com.br/ tem, catalogados, 860 arranjos escritos por Maurício em 100 discos.)

Maurício não aponta nenhuma característica particular em seus arranjos e, quanto às influências que recebeu como arranjador, "acho que aprendi muito com diversos arranjadores. Em algumas épocas tive preferências que hoje já não me encantam tanto. Mas se tivesse que citar três do passado e três contemporâneos, eu não teria dúvida: Pixinguinha, Radamés Gnattali e Moacir Santos; Nailor Proveta, Cristóvão Bastos e Paulo Aragão."

Carreira

Maurício Carrilho divide sua carreira profissional em três fases:
"Acho que existiram três fases bem distintas. A primeira em que atuava como músico (1977-1978). A segunda na qual, além de músico, passei a trabalhar como arranjador e produtor (1979-1999). A terceira, em que o compositor foi se tornando pouco a pouco mais importante e que coincide com uma maior atividade como professor também (2000-2008)."

Sobre as mudanças que aconteceram ao longo desta trajetória, "mudou a experiência. Alguns parceiros mudaram, outros permaneceram. A profundidade do conhecimento da música que faço, ensino, estudo e ouço também mudou. Eu nunca deixei de fazer nada em música. As atividades foram se diversificando de acordo com minhas necessidades e interesses. Uma coisa eu nunca deixei de fazer: ter um trabalho de música instrumental em atividade; desde Os Carioquinhas, passando pela Camerata Carioca, O Trio, até o sexteto que criei para divulgar meu trabalho de compositor. Isso sempre me ajudou como arranjador, produtor e músico nos trabalhos realizados com cantores."

Como não poderia deixar de ser, as gravações que Maurício indica como representativas de cada uma destas fases são muitas.

"Os discos gravados com os grupos citados, os trabalhos realizados na gravadora Acari Records e as gravações com importantes cantores e compositores de nossa música, como Nara Leão - que me encomendou os primeiros arranjos que fiz como profissional (n. e.: "E Que Tudo Mais Vá Pro Inferno", Philips/Phonogram, LP/1978, CD/2002) -, Elizeth Cardoso, Cristina Buarque, Teca Calazans, Paulo César Pinheiro - meu parceiro mais constante -, Chico Buarque e muitos outros."

Preferências

Quando está sozinho, o que Maurício Carrilho toca para si mesmo?
"Não gosto de tocar nem de falar sozinho. Sempre gostei de tocar em grupo ou, no mínimo, em duo."

Para ouvir, a "lista é imensa. Gosto de ouvir música clássica, gravações antigas de choro e samba, os clássicos do jazz, e os trabalhos que temos realizado com repertório dos mestres do choro." (n.e.: "Princípios Do Choro", série com 15 CDs, Acari Records/Biscoito Fino, 2002; "Joaquim Callado – O Pai Dos Chorões", caixa com 5 CDs, Acari Records/Arte_Fato Produto Cultural, 2004; "Choro Carioca – Música Do Brasil”, caixa com 9 CDs, Acari Records, 2006).

Entre tantos, há discos que Maurício ouça repetidamente?

"Durante muito tempo fui ouvinte obsessivo de alguns discos de Altamiro Carrilho, 'Choros Imortais' (EMI-Odeon, LP/1964, CD/1999); Jacob do Bandolim, 'Vibrações' (RCA, LP/1967, CD/1989); Baden Powell (todos os discos feitos antes de seu retorno ao Brasil), Astor Piazzolla, Duke Ellington, Bill Evans. Ultimamente, só fiquei ouvindo repetidamente os discos de Léa Freire, 'Cartas Brasileiras' (Maritaca, CD/2006); Nailor Proveta, 'Tocando Para O Interior' (Núcleo Contemporâneo, CD/2007) e o do Quarteto Maogani, 'Impressão De Choro' (Joaninha Produções/Biscoito Fino, CD/2008)."

De quais discos Maurício gostaria de ter participado?
"Acho que já participei de discos demais, chega!!!"

Quais composições gostaria de ter feito?
"Adoro ouvir a obra de vários compositores mas, sinceramente, não gostaria de ter sido o compositor delas."

E que arranjos queria ter assinado?
"Todos os arranjos que fiz tiveram uma grande contribuição dos arranjadores que ouvi e com os quais aprendi. Isso é mais do que suficiente pra que me sinta feliz e realizado."

Intimado a fazer mais algum comentário sobre seu gosto musical...

"Depois dessa maratona de respostas eu me abstenho de qualquer outro comentário."

Discografia

Ver http://www.acari.com.br/ e, também, como instrumentista, arranjador, compositor, participações especiais e intérprete principal, http://www.discosdobrasil.com.br/ .

(Verbete editado por Maria Luiza Kfouri a partir de questionário respondido pelo próprio músico.)

Fonte: [http://musicosdobrasil.com.br/mauricio-carrilho]

Edição: [Ygor Furtado]

Maurício Carrilho - Samba da Esperança

Mauricio Carrilho - Entrevista/Entretien/Interview

Violão Ramá 7 Cordas - Ramá

2009-04-05T22:20:00.000-07:00

CORPO MARUPÁ
ESCALA JACARANDÁ-FERRO
TENSOR AJUSTÁVEL
BORRACHAS NAS CORES:PRETO,AZUL,VERMELHO
CORDAS DE NYLON
SISTEMA DE EQUALIZAÇÃO/ CAPTAÇÃO RAMÁ
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R$ 1.827,00
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R$ 1.827,00
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Link para Compra: [http://www.apoiomusical.com.br/produtos_descricao.asp?lang=pt_BR&codigo_produto=435]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão Ramá Natural Especial - 7 cordas - Ramá

2009-04-05T22:16:00.000-07:00

CORPO MARUPÁ
ESCALA JACARANDÁ-FERRO
TENSOR AJUSTÁVEL
ARO QUADRADO REVESTIDO COM BORRACHA PRETA
CORDAS DE NYLON
SISTEMA DE EQUALIZAÇÃO/ CAPTAÇÃO RAMÁ
COM BAG

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R$ 1.927,00
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R$ 1.927,00
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R$ 1.927,00
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Link para Compra: [http://www.apoiomusical.com.br/produtos_descricao.asp?lang=pt_BR&codigo_produto=437]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão em Nylon NVE7 0921 - Marquês

2009-04-05T22:10:00.000-07:00

modelo cutway vazado emborrachado 7 cordas;
tarrachas e trastes importados;
captação ativa de 4 bandas;
braço de marfim de 20 mm;
escala em jacarandá;
caixa vazada.

Pagamento à vista/Depósito Bancário
R$ 601,80
Depósito Bancário - Caixa
R$ 601,80
Pagamento Fácil Bradesco
R$ 601,80
Pagamento parcelado - Pagseguro até 10x

Link para Compra: [http://www.apoiomusical.com.br/produtos_descricao.asp?lang=pt_BR&codigo_produto=455]
Edição: [Ygor Furtado]

Violão 7 Cordas Nylon NF7 0721 - Marquês

2009-04-05T21:59:00.000-07:00

Violão de 7 cordas Nylon;Modelo Flat 7 cordas;Tarrachas e trastes importados;Captação ativa de 4 bandas com bateria de 9V;Braço de cedro ou marfim de 20mm;Escala em jacarandá;Caixa semi-acústica de 56mm.

Pagamento à vista/Depósito Bancário
R$ 624,00
Depósito Bancário - Caixa
R$ 624,00
Pagamento Fácil Bradesco
R$ 624,00
Pagamento parcelado -Pagseguro até 10x

Link para Compra: [http://www.apoiomusical.com.br/produtos_descricao.asp?lang=pt_BR&codigo_produto=79]

Edição: [Ygor Furtado]

Tremolo para Guitarra de 7 Cordas - CSR

2009-04-05T21:22:00.000-07:00

Tremolo para guitarra de 7 cordas, modelo TT10-7.
Dimensões aprox. da embalagem: 13x18x8 cm (AxLxC)Peso aprox.: 320 g
Garantia do fornecedor: 6 meses

Americanas.com: R$ 79,90

Link para Compra: [http://www.americanas.com.br/AcomProd/17350/255783]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão Clássico Sete Cordas Acústico - GWNC1/7 - Giannini

2009-04-05T21:10:00.000-07:00

Violão Clássico profissional de 7 cordas, com tampo maciço de Red Cedar importado e faixa e fundo de Pau-ferro, ambas madeiras nobres, selecionadas e climatizadas. A melhor opção para quem busca um violão de 7 cordas com uma ótima relação custo x benefício. Acompanha bag e possui 1 ano de garantia.

ESPECIFICAÇÕES:-Tampo: Red cedar maciço -Faixa e fundo: pau-ferro -Braço: Cedro com tensor e reforço -Escala: Pau-ferro -Marcação: Na lateral da escala -Trastes: Alpaca -Tarraxas: Pino grosso douradas -Encordoamento: Náilon genwxpa / 7ª

CONTEÚDO DA EMBALAGEM:-Violão Clássico Sete Cordas Acústico - GWNC1/7-Bag Dimensões aproximadas do produto: 10,4x38,6x103cm (AxLxP)Peso líq. aproximado do produto: 1,8kg Garantia do fornecedor: 12 meses

Americanas.com: R$ 849,00

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R$ 169,80
10x com juros
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Quando houver parcelamento com juros: 1,49 % ao mês

Link para Comprar: [http://www.americanas.com.br/AcomProd/17350/2336076]
Edição: [Ygor Furtado]

Violão Sevilha 7 Cordas GWNC1/7 - Giannini

2009-04-05T20:58:00.000-07:00

Com a maior fábrica de instrumentos acústicos do brasil e com o conhecimento que atravessa gerações, a Giannini tem hoje a mais completa linha de instrumentos de cordas (acústicos e elétricos) e acessórios. Tudo feito com a melhor qualidade em matéria-prima, os melhores componentes, tecnologia de ponta e o conhecimento de mais de 100 anos. Faça como artistas renomado como O RAPPA, LOBÃO, FREJAT,PITTY entre outros, escolha

GIANNINI.ESPECIFICAÇÕES:-Acústico -Tampo: Maciço de Red Cedar -Faixa e Fundo: Pau-Ferro -Braço: Cedro -Escala: Pau-Ferro -Trastes: 19 em Alpaca -Tarraxas: Pino Grosso Douradas -Encordamento: GENWXPA E GENWXPA7ª -Tensor: Regulável e Reforço

CONTEÚDO DA EMBALAGEM:-Violão Sevilha 7 Cordas GWNC1/7-Bag AlmofadadoDimensões aproximadas do produto: 10x38x100cm (AxLxP)Peso líq. aproximado do produto: 2kg Garantia do fornecedor: 12 meses

Americanas.com: R$ 889,00

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Edição: [Ygor Furtado]

Violão Clássico Sete Cordas - GWNC1/7 - EL - Giannini

2009-04-05T20:37:00.000-07:00

ESPECIFICAÇÕES:-Tampo: Red cedar maciço -Faixa e fundo: Pau-ferro -Braço:Cedro com reforço e tensor -Escala: Pau-ferro -Marcação na lateral da escala -Trastes: 19 em alpaca -Captador: Pré ativo 4 bandas -Tarraxas: Pino grosso dourada -Encordoamento: Náilon genwxpa

CONTEÚDO DA EMBALAGEM:-Violão Clássico Sete Cordas - GWNC1/7 - EL-BagDimensões aproximadas do produto: 10,4x38x103,9cm (AxLxP)Peso líq. aproximado do produto: 2,1kg Garantia do fornecedor: 12 meses

Americanas.com: R$ 1.149,00

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R$ 1.149,00
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R$ 574,50
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10x com juros
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Quando houver parcelamento com juros: 1,49 % ao mês

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Edição: [Ygor Furtado]

Otávio Littleton da Rocha Vianna.(China)

2009-04-05T19:57:00.000-07:00

Otávio Littleton da Rocha Vianna*(China) 16/05/1888 Rio de Janeiro, RJ, Brasil.† 27/08/1927 Rio de Janeiro, RJ, Brasil.Instrumentista.

O pai de China era flautista amador, chorão, colecionador de partituras dos primórdios do choro, e organizador de saraus freqüentes em sua casa, dos quais participavam músicos importantes do Rio de Janeiro, como Quincas Laranjeira, Irineu de Almeida (Irineu Batina) e Candinho Trombone.
A casa de Seu Alfredo Vianna servia, também, de abrigo a amigos músicos de passagem pelo Rio de Janeiro, ou com dificuldades para conseguir moradia. A tal ponto que ficou conhecida como “Pensão Vianna”.

Além disso, Seu Alfredo, entre outras virtudes, foi o pai de Pixinguinha.
Foi nesse ambiente que China nasceu e cresceu, num subúrbio do Rio de Janeiro, aprendendo com a música que estava no ar e também com pelo menos um professor “de verdade”, chamado Borges Leitão, seu vizinho de rua.

China sempre foi, em sua curta vida, um músico de grupo.

Juntamente com Tute, China está entre os pioneiros do violão de sete cordas que, segundo alguns, chegou ao Rio de Janeiro com imigrantes russos. Como a sétima corda não era fabricada aqui, usava-se uma corda de violoncelo –costume que perdurou durante décadas.

"Há uma foto de 1910 em que China empunha o instrumento. O que não quer dizer que ele tenha sido de fato o primeiro. Afinal, ele e Tute eram da mesma geração e tocavam nos mesmos grupos". ( Luís Filipe Lima)
Coube aos dois, portanto, dar início à técnica da “baixaria”, permitindo aos grupos de choro, sem bombardino, nem contrabaixo acústico, nem piano, que fizessem os contracantos na parte grave, liberando os violões de acompanhamento para construir harmonias completas.

China não chegou a ser um compositor de renome. Mesmo as músicas que escreveu junto com o irmão famoso, Pixinguinha, não costumam fazer parte do repertório dos músicos de hoje.

Suas obras são peças típicas do início do século XX, como choros, valsas, modinhas e schottisches estilizados pelo tempero da música brasileira que começava a se formar.

Apenas uma delas conseguiu alguma projeção: “Meu passarinho”, que teve gravação de Os Oito Batutas (conjunto criado por Pixinguinha), e que, mais recentemente, foi regravada por Henrique Cazes / Beto Cazes, Fernando Moura, e por Zé da Velha / Silvério Pontes.
São conhecidas cerca de 16 composições de China.

A carreira de China pode ser descrita pelos grupos dos quais fez parte:

Choro Carioca, criado por volta de 1911, em que tocava violão ao lado dos seus irmãos Pixinguinha (flauta, com apenas 14 anos de idade), Leo (violão), e Henrique (cavaquinho), além de Bomfiglio de Oliveira (trompete) e Irineu de Almeida (bombardino), responsável por alguns dos primeiros registros gravados dos contracantos graves no choro
Os Oito Batutas, formado em 1919, primeiro grupo importante criado por Pixinguinha, contando ainda, na formação original, com Donga, China, Nelson Alves, José A. de Lima, J. Thomaz; mais adiante, juntaram-se ao grupo Josué Barros ao violão, e J. Ribas ao piano. Os Oito Batutas se destacaram rapidamente pelo estilo novo que impunham à execução de músicas brasileiras, tendo excursionando por diversos estados, pela Europa e pela Argentina.

China não tem discografia própria. Ele pode ser ouvido em dois discos da série Memórias Musicais, lançada pela gravadora Biscoito Fino e pelo Instituto Moreira Sales:
"Os Oito Batutas" (2002), no CD 4, Pixinguinha Volume 1
"Conjunto Choro Carioca e Grupo Carioca" (2002), no CD 2

Fonte: [http://musicosdobrasil.com.br/china]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão de 7 Cordas no Brasil!.(03)

2009-04-05T10:23:00.000-07:00

O violão de sete cordas é instrumento genuinamente brasileiro; talvez não em suas origens, mas com certeza em seu uso, técnica e linguagem. Seu aparecimento no Rio de Janeiro, no início do século XX, ainda guarda alguns mistérios. As pistas mais consistentes apontam para um grupo de ciganos que viviam no bairro do Catumbi, e que usavam em sua música um violão de sete cordas com uma afinação diferente da ocidental, amplamente difundido na Rússia desde fins do século XVIII. De acordo com depoimentos de gente como Pixinguinha e João da Baiana, estes ciganos mantinham contato com a chamada Pequena África, comunidade de negros nordestinos então fixados em torno da Praça Onze, onde se definiu o samba urbano carioca. Foi talvez ali, por meio dos ciganos, que China (irmão mais velho de Pixinguinha, também integrante dos Oito Batutas) e Tute, os primeiros expoentes do sete-cordas, teriam tomado contato com o instrumento, ambientando-o nos repertórios de choro e, mais tarde, samba. De qualquer modo, a suposta origem russa do sete-cordas brasileiro ainda está para ser documentada com o rigor dos historiadores.Ainda em fins do século XIX, o contracanto improvisado nas notas graves do violão; as baixarias ; imitava o dos instrumentos de sopro como o bombardino, o oficleide e a tuba. Com o tempo, as baixarias foram ganhando estilo próprio e orgânico, integrado à sonoridade e à técnica do violão. Daí, como se imagina, o feliz encontro com o violão dos ciganos, cuja sétima corda (um bordão mais grave afinado em dó) ampliava as possibilidades do instrumento na função de baixo cantante.Mas o violão de sete demoraria a ser popularizado e difundido pelos conjuntos regionais, formações dedicadas ao choro e ao samba. Isto só aconteceria na década de 1950, com o músico que se tornou o maior porta-voz do instrumento e influenciou todas as gerações posteriores de sete-cordas: Horondino José da Silva, o Dino 7 Cordas. Músico atuante desde 1935, quando se tornou um dos violonistas do regional de Benedito Lacerda (o mais destacado em seu tempo), Dino encomendou um sete-cordas à oficina Do Souto em novembro de 1952, passando a utilizá-lo regularmente a partir do ano seguinte. Dino foi o responsável por desenvolver a linguagem do instrumento, valendo-se de novos padrões rítmicos e melódicos, mais elaborados, para a construção das baixarias.A partir do desempenho brilhante de Dino, exibido em centenas de programas de rádio, shows e gravações, o sete-cordas foi ganhando adeptos por todo o país, incorporando-se definitivamente aos regionais de choro, aos conjuntos de samba e, já nos anos 70, ao desfile das escolas de samba, somando-se ao cavaquinho para acompanhar os intérpretes de samba-enredo. O instrumento passou a contar com outros grandes representantes, como o genial Rafael Rabello. E hoje, em mais uma fase de reflorescimento do choro, o sete-cordas tornou-se um dos instrumentos mais procurados pelos jovens músicos, ostentando expressivas revelações.

Publicado por: Luís Filipe de Lima

Fonte: [http://www.samba-choro.com.br/debates/1053317678]

Edição: [Ygor Furtado]

Violão de 7 Cordas no Brasil!.(02)

2009-04-05T10:14:00.000-07:00

Instrumento popularizado pela sua constante presença no universo do choro e do samba, vem sendo cada vez mais utilizado, em todo o mundo, como instrumento de acompanhamento, como solista, em música de câmara e recentemente em música de concerto.

Sua origem é discutida. Alguns citam ciganos russos como os responsáveis por sua chegada ao Brasil, o que ainda não foi comprovado por nenhum historiador. O fato é que a partir de Tute (Arthur de Souza Nascimento, Rio de Janeiro, 1/7/1886 – 15/6/1957) e de seu contemporâneo China (Otávio Vianna, irmão mais velho de Pixinguinha), o violão de 7 cordas entrou na música brasileira para não sair mais.

Seu uso ficou restrito a um número reduzido de músicos até Horondino José da Silva, o Dino, passar a utilizá-lo em 1952. A partir da linguagem elaborada por esse mestre, outros violonistas passaram a se interessar pelo instrumento.

Com o movimento de ressurgimento do choro na mídia, por volta de 1975, vários jovens abraçaram o violão de 7 cordas, entre eles Rafael Rabello, que se tornaria um dos mais célebres violonistas brasileiros. Rafael usou pela primeira vez o violão de 7 cordas como instrumento solista. Gravou discos importantes com repertório abrangente que incluía choro, samba e obras clássicas de Radamés Gnattali e Garoto. A ampliação dos horizontes para este instrumento talvez tenha sido a principal contribuição de Rafael Rabello na impressionante popularização do violão de 7 cordas entre os músicos mais jovens, tanto nos provenientes da música popular quanto nos de formação erudita.

Duas escolas

O violão de 7 cordas possui, hoje, duas escolas bem definidas. A primeira e mais tradicional segue o padrão de técnica e sonoridade desenvolvido pelo mestre Dino. A segunda, mais recente, utiliza cordas de náilon e tem técnica e sonoridade mais próximas do violão clássico.

Violão de 7 com cordas de aço

Quando Mestre Dino, em 1952, resolveu encomendar um violão com sete cordas ao luthier Silvestre, responsável pela construção de instrumentos de cordas da tradicional loja de música Ao Bandolim de Ouro, ele tinha duas referências essenciais: Tute no instrumento e Pixinguinha na linguagem musical. Dino freqüentava os locais onde Tute se apresentava para vê-lo tocar no mesmo período em que vivenciava, ainda como violonista de seis cordas, um dos mais belos momentos da história do choro – as sensacionais atuações de Benedito Lacerda na flauta com os contracantos de Pixinguinha no sax tenor.
Pixinguinha e Tute foram herdeiros de fundamentos preciosos, frutos da convivência com mestres como Anacleto de Medeiros e Irineu de Almeida, e Dino soube aproveitar, como ninguém, estes fundamentos para criar o que viria a ser a linguagem definitiva para o violão de 7 cordas. A diversidade no contorno de frases, as soluções rítmicas e o caráter que Dino imprimiu em cada gênero musical brasileiro tocado por ele em mais de sessenta anos de carreira criaram o padrão seguido por todos os violonistas de sete cordas que o sucederam.

Quanto à sua sonoridade, característica perseguida por praticamente todos os adeptos do violão de 7 com cordas de aço, valem algumas observações: normalmente os violonistas que usam cordas de aço tangem as cordas com uma palheta (plectro) ou uma dedeira (um anel com ponta em forma de plectro colocado no dedo polegar). No ambiente do choro e do samba a dedeira é muito usada, e violão tocado com palheta é praticamente inexistente. São diversos os materiais usados na confecção de dedeiras, mas o preferido pelos violonistas é o aço inox. Essas dedeiras são geralmente confeccionadas a partir de uma chapa fina de aço e feitas sob medida, o que faz com que os violonistas as tratem com muito cuidado e não gostem de emprestá-las, para que não percam a forma de seu dedo.

A técnica de mão direita de um violonista que usa dedeira é bem diferente da clássica. O polegar é muito mais usado. Praticamente todas as frases são feitas com uso exclusivo do polegar combinado com ligados da mão esquerda.

As primeiras gravações feitas pelo Dino com seu violão de sete cordas mostram um som muito metálico da sétima corda. Mais tarde, no início dos anos 1960, fica evidente, pela sonoridade aveludada e seca (de curta duração), que ele passou a usar a quarta corda de violoncelo adaptada no lugar da sétima de seu violão.

Outra característica do padrão de sonoridade criado pelo Dino é o uso das duas primeiras cordas (as mais agudas mi e si) de náilon, o que dá uma “adoçada” nas notas mais agudas dos acordes.

Violão de 7 com cordas de náilon

Quando em 1979, Luiz Otávio Braga substituiu Rafael Rabello como violonista de 7 cordas da Camerata Carioca, o grupo se preparava para gravar um concerto de Vivaldi em transcrição feita por Radamés Gnattali. Nos ensaios Luiz Otávio experimentou encordoar seu violão de 7 com náilon, na tentativa de timbrar de forma mais homogênea os três violões do grupo. Animado com o resultado, Luiz Otávio encomendou o que seria o primeiro violão de 7 cordas feito para ser usado com cordas de náilon. O violão foi construído pela Giannini com o tampo harmônico trabalhado pelo violonista Sérgio Abreu, que iniciava sua carreira de luthier. Rafael se impressionou com o resultado deste instrumento e vislumbrou as novas possibilidades que poderia ter com um violão de 7 cordas de náilon. Pouco tempo depois encomendou ao luthier Mário Jorge Passos um violão com essas características.

Nessa época Rafael já se estabelecia como grande solista, dividia o palco, em duo, com cantores famosos, atuava como concertista e o novo instrumento atendia bem melhor às suas necessidades. Começava então uma nova escola de violão de sete cordas, onde a técnica de mão direita é muito próxima à usada no clássico violão de seis. Assim, tocado sem a intermediação da dedeira, o sete cordas de náilon se por um lado perde em ataque, ganha, por outro, possibilidades de variação de timbre infinitamente superiores.

Desde que passou a usar o violão de sete com cordas de náilon, os retornos de Rafael às cordas de aço, mesmo em acompanhamento de sambas e choros tradicionais, foram muito raros. Um desses momentos foi durante a gravação do CD Chorando de Verdade, de Joel Nascimento. Mesmo assim depois de muita insistência do Joel.

Afinação

Tradicionalmente o violão de sete cordas tem a sétima afinada em dó. Não acredito, como afirmam em alguns artigos, que seja pelo fato de que muitos choros são compostos na tonalidade de dó. Isto não é verdade. Os choros, valsas e sambas sempre foram tocados nas mais variadas tonalidades. Facilidade na montagem dos acordes é argumento que tampouco me convence. A única justificativa que eu encontro para esse hábito ter sido criado e passado, de geração a geração, pelos violonistas de 7 cordas, é a ausência de uma corda que sustentasse, com sonoridade, tensão e afinação satisfatórias, a nota si na sétima corda. A sétima afinada em si dá seqüência lógica aos intervalos de quarta existentes entre os baixos do violão.

Hoje encontram-se no mercado cordas de náilon e de aço com variados calibres e com diversas tensões, o que possibilita afinar a sétima em dó, si e até lá, mas imaginem as cordas que China, Tute e mesmo Dino no início, tinham para usar.

Com todo respeito à tradição, acho que afinar a sétima em dó é tão lógico quanto afinar a sexta em fá.

Funções

Antes do aparecimento do violão de sete cordas, as funções de harmonização, condução rítmica e contracanto eram divididas entre os violões de seis dos conjuntos regionais. Portanto a linguagem usada pelos violonistas de 7 cordas, antes da popularização deste instrumento, já era desenvolvida pelos violonistas de 6. Ouvindo as gravações do regional de Benedito Lacerda, com Dino e Meira nos violões de 6, percebemos que os dois participam das funções de base rítmico-harmônica e tocam frases de contracanto.

Embora em algumas composições existam frases obrigatórias, criadas originalmente pelo próprio compositor, na maior parte dos choros e sambas as frases tocadas pelos violões são improvisadas. O conhecimento de harmonia e a absoluta consciência rítmica e de estilo de cada gênero tocado são pré-requisitos indispensáveis para que um violonista improvise estas frases de acompanhamento com propriedade.

Com o passar do tempo, a extensão ampliada pelo recurso da sétima corda e o grande talento do mestre Dino foram dando ao violão de sete cordas um caráter diferenciado. O número de executantes foi aumentando e as frases de contracanto passaram a ser tocadas quase que exclusivamente por esse instrumento. Com isso os violonistas de sete cordas acabaram adquirindo um destaque que resultou numa posição, nem sempre justa, de superioridade hierárquica em relação ao nada fácil trabalho do violão de seis, nos conjuntos regionais. Esse destaque certamente contribuiu muito para a popularização do instrumento, e faz com que, cada vez mais, jovens violonistas optem por ele. Porém, é sempre bom salientar que as maiores referências da história de nossa música popular como violonistas de sete cordas, Dino e Rafael, antes de se tornarem grandes contrapontistas sabiam exercer com perfeição as funções de violão de base, o que infelizmente não ocorre com significativa parcela dos executantes deste instrumento. O resultado desta falta de embasamento se traduz em situações lamentáveis. É comum em nossos dias encontrarmos quatro, cinco violonistas de 7 cordas em rodas de choro, todos fazendo baixarias e nenhum tocando a harmonia. O duelo de vaidades e frases cruzadas se sobrepõe a uma das mais ricas características do choro e do samba: o equilíbrio e a perfeita noção de conjunto que tradicionalmente marcaram nossos principais conjuntos regionais.

Embora a grande maioria dos violonistas de 7 cordas atue como integrante de conjuntos de samba e choro, o instrumento, a partir das primeiras gravações de Rafael Rabello como solista, passou a ocupar essa função nas mãos de outros músicos. O próprio Dino gravou solando, ao lado de Rafael, um CD histórico. Hoje temos uma brilhante safra de violonistas de 7 cordas solistas, brasileiros e de outros países, com inúmeros CDs gravados dos mais variados estilos.

Na música de câmara, especialmente nos conjuntos de violões, o 7 cordas e até o violão de 8 cordas vêm sendo largamente utilizados. O trabalho do Quarteto Maogani é um ótimo exemplo de uso desses instrumentos com extrema sabedoria e sensibilidade.

Em 2003 escrevi o que parece ser o primeiro concerto para violão de sete cordas e orquestra sinfônica: a Suíte para violão de sete cordas e Orquestra, com orquestração feita em parceria com o violonista e arranjador Paulo Aragão, e dedicada ao violonista Yamandu Costa. Esta peça foi executada pelas mais importantes orquestras brasileiras e também no Canadá, França e Bélgica, levando pela primeira vez o violão de sete cordas à condição de solista de orquestra.

Construção

Todo processo de evolução técnica na execução de qualquer instrumento musical tem estreita relação com o aprimoramento na construção desses instrumentos. Nos últimos trinta anos verificamos uma verdadeira revolução na construção de violões, de 6 e de 7 cordas, no Brasil.

Até a década de 1950, quando Dino encomendou seu primeiro violão de 7 cordas, os instrumentos de cordas dedilhadas eram construídos por tradicionais casas de música. No Rio de Janeiro, fundadas por portugueses, destacavam-se: Ao Bandolim de Ouro, A Guitarra de Prata e O Cavaquinho de Ouro. Em São Paulo, fundadas por italianos, Giannini, Di Giorgio e Del Vecchio eram as mais famosas.

Na década de 1960 uma avalanche de música pop mudou o perfil do consumidor de instrumentos musicais. No lugar de violões e cavaquinhos, a procura era por guitarras elétricas. O resultado foi uma grande queda de qualidade nos instrumentos acústicos produzidos por esses tradicionais estabelecimentos.

Em meados da década de 1970, coincidindo com um bom momento do samba e uma grande onda em torno do choro, chega ao Brasil o luthier japonês Shiguemitsu Suguiyama. Sua produção em São Paulo e a de Sérgio Abreu no Rio de Janeiro estabelecem um novo padrão para a construção artesanal de violões em nosso país. A partir deles, vários construtores de alta categoria surgiram, tornando a produção brasileira de violões artesanais, de 6 e 7 cordas, uma das melhores do mundo.

Histórias e personagens do violão 7 cordas

O recorde do Valter

Valter Silva, o Valter 7 Cordas, um dos mais talentosos acompanhadores e improvisadores de baixarias que eu conheci, sempre foi respeitado por seu ouvido impressionante e por tirar do violão um volume fortíssimo. Freqüentador assíduo do Sovaco de Cobra, reduto dos chorões cariocas nos anos 1970, protagonizou um recorde incrível. Num final de tarde de domingo, quando todos já se preparavam para voltar pra casa, Valter pediu para que tocassem uma saideira. Foi atendido e no meio da música arrebentou uma corda sol. Rafael, que tinha na época uns catorze anos e adorava ver o Valter tocar, prontamente sacou do seu estoque de cordas reservas uma para socorrer o colega. Não demorou muito e novamente, no meio de uma frase rápida, a nova corda sol se rompeu. Rafael soltou sua típica gargalhada (muito parecida com a do personagem Mozart, no filme Amadeus) e ofereceu outra. E assim, uma após a outra, as cordas foram arrebentando, o Valter fazendo caretas hilariantes e o Rafael ficando vermelho com sua risada de Mozart. No final, depois de seis cordas sol e uma ré, o Rafael escarafunchou sua sacola e ainda conseguiu falar: - acabou! - antes de soltar outra gargalhada. A roda acabou sem que a saideira chegasse ao fim.

O cavalete

Algumas semanas depois, a roda do Sovaco estava rolando na casa do Betinho, o mesmo Valter acompanhava o Rubinho Trompete e o Zé da Velha, que tocavam juntos no conjunto Chapéu de Palha. No meio da animação o Valter exagerou no volume da baixaria e, em vez de arrebentar uma corda, arrancou o cavalete do violão. Mais um recorde quebrado!

O ídolo

Poucas vezes eu vi um músico ter tanta admiração por outro como Rafael tinha pelo Dino. Chegava a se vestir igual, usava um anel com uma pedra verde no anelar da mão esquerda, como o Dino, e desenvolvia teorias de que o peso do anel compensava a menor mobilidade deste dedo. Sonhava ter aulas com Dino que, estranhamente, sempre negava. Uma vez eu presenciei, na loja Ao Bandolim de Ouro, onde o mestre dava aula para vários alunos, quase todos medíocres, o Rafael quase implorando: - Dino, eu queria muito ter aula com você - e o Dino respondendo com um sorriso irônico: - eu não tenho tempo.

Rafael compensava a decepção decorando absolutamente tudo o que o Dino fazia em todas as suas gravações. Era capaz de tocar em uníssono com o violão do Dino, da primeira à última faixa, todos os discos do Cartola, João Nogueira, Altamiro, Jacob e outros.

O ralador

É comum entre os músicos mais jovens a “fome” de tocar. Na época do conjunto Os Carioquinhas, Rafael, Luciana e eu freqüentávamos todas as rodas de choro de que tivéssemos notícia. Muitas vezes virávamos a noite de sábado e íamos direto para o Sovaco de Cobra, que rolava às 9:00h da manhã de domingo. Tocando violão com cordas de náilon eu ficava com os dedos verdes, azinhavrados. Já o Rafael, usando cordas de aço, produzia, nas pontas dos dedos, uns calos tão grandes que tinha que cumprir um ritual antes de emendar uma roda na outra. Passava em casa, botava os dedos da mão esquerda imersos em água quente com sal, e depois de alguns minutos passava um ralador de latão, normalmente usado para tirar calos do calcanhar, nos dedos. Fiquei preocupado, na primeira vez que eu vi, e impressionado com o resultado da operação: a água com sal do pote ficava coberta por uma nata de meio centímetro de espessura de calo ralado. O dono dos calos, com os dedos milagrosamente de volta à forma normal, botava a alça da capa do violão no ombro, empinava a barriga e dava a voz de comando: - ao Sovaco de Cobra, com a maior urgência!

O cuidado com as cordas

Os encontros no Sovaco de Cobra nos deram oportunidade de conviver semanalmente com vários chorões da velha guarda. Alguns tinham hábitos muito curiosos no que diz respeito à conservação das cordas de violões e cavaquinhos. Nos chamavam num canto e diziam, com ar secretíssimo, suas estranhas receitas. - quando eu chego em casa tiro as cordas do meu violão e as coloco esticadinhas pra descansar. Em dois dias elas estão novas! - ou então: - o melhor a fazer é colocá-las numa panela com água pra ferver. Cinco minutos de fervura e elas ficam novinhas! - outros preferiam palha de aço.

Damázio, grande violonista que tocou com Jacob do Bandolim, Altamiro Carrilho e Déo Rian, uma vez, depois de ouvir minha sugestão pra que trocasse as cordas de seu violão, exclamou surpreso: - que é isso? elas só têm seis meses!

E assim, por hábito ou prontidão, os velhos chorões iam sempre adiando a troca de cordas. Quando rompia no cavalete era tranqüilamente emendada. Só não tinha remédio quando estourava no osso da pestana. Aí era comum ouvir a expressão em tom de desolação: - arrebentou no dinheiro!

Discografia básica

Cito a seguir algumas referências pra quem tiver curiosidade de ouvir alguns violonistas, de épocas diferentes, que traçam o caminho de evolução técnica e da linguagem do violão de 7 cordas. Dos pioneiros Tute e China, passando pelos mestres Dino e Rafael e chegando aos solistas contemporâneos Yamandu Costa (Rio Grande do Sul), Rogério Caetano (Goiás) e Doug de Vries (Austrália).

Memórias Musicais (Casa Edison) (Tute, China) – Biscoito Fino
Telecoteco opus 1 (Dilermando Pinheiro e Ciro Monteiro) (Regional do Canhoto) - Philips
Cartola (Regional do Canhoto) os dois CDs da Gravadora Marcus Pereira
João Nogueira (Espelho)(Dino) - Odeon
Altamiro Carrilho (Choros Imortais 1 e 2 )(Regional do Canhoto) - Copacabana
Jacob do Bandolim (Vibrações)(Dino) - RCA Victor
Os Carioquinhas (Os Carioquinhas no Choro) (Rafael Rabello) – Som Livre
Tributo a Jacob do Bandolim (Joel Nascimento, Radamés e Camerata Carioca) (Rafael Rabello) - Warner
Rafael 7 cordas (Rafael Rabello) – Philips
Todos os tons (Rafael Rabello) – BMG
Rafael Rabello interpreta Radamés Gnattali - Vison
Dino e Rafael - Caju/Kuarup
Rafael Rabello (Lamento do Morro) – Acari Records
Yamandu Costa - Eldorado
Rogério Caetano - Pintando o Sete - Independente
Doug de Vries (Jacarandá) - Acari

Escrito por Maurício Carrilho.
Fonte: [http://ensaios.musicodobrasil.com.br/mauriciocarrilho-violao7cordas.htm]
Edição: [Ygor Furtado]

Yamandú Costa.

2009-04-04T20:29:00.000-07:00

Nascido em Passo Fundo em 1980, Yamandu começou a estudar violão aos 7 anos de idade com o pai, Algacir Costa, líder do grupo “Os Fronteiriços” e aprimorou-se com Lúcio Yanel, virtuoso argentino radicado no Brasil. Até os 15 anos, sua única escola musical era a música folclórica do Sul do Brasil, Argentina e Uruguai. Depois de ouvir Radamés Gnatalli, ele começou a procurar por outros brasileiros, tais como: Baden Powell, Tom Jobim, Raphael Rabello entre outros.
Suas interpretações performáticas conseguem remodelar cada música que ele toca e revela uma profunda intimidade com seu instrumento. Todo reconhecimento que recebe é apenas um reflexo do que ele leva ao seu público, recriando a magia da música em seu toque, passando pelo seu corpo e transformando-se quase milagrosamente. Yamandu toca choro, bossa nova e tudo, mas também é um gaúcho cheio de milongas, tangos, zambas e chamamés. Um violonista e compositor que não se enquadra em nenhuma corrente musical ele é uma mistura de todos os estilos e cria interpretações de rara personalidade no seu violão de 7 cordas. Aos dezessete anos apresentou-se pela primeira vez em São Paulo no Circuito Cultural Banco do Brasil, produzido pelo Estúdio Tom Brasil, e a partir daí passou a ser reconhecido como músico revelação do violão brasileiro.
Yamandu faz jus ao significado de seu belo nome “o precursor das águas”.

Shows e Prêmios Especiais

- Lançamento do 1o. DVD – Yamandu Costa Ao Vivo - 2005
- Projeto Musica do Brasil – Europa – 2005
- Homenagem a Tom Jobim – Rio Louco/Toulouse e em Paris 2005
- Projeto “La Fiesta de Bolívar” – Quito e Guayaquil/Ecuador – 2005
- Projeto “Brasil na França” 2005 – Banlieues Bleues e Opera Garnier
- Projeto Natura – Homenagem a Tom Jobim – 2005
- Conserto Sala São Paulo com o Maestro Roberto Minczuk – 2005
- Lançamento do quarto cd “ El negro Del Blanco” – Biscoito Fino – 06/2004
- Prêmio Tim – Melhor instrumentista – 2004
- Lançamento do terceiro cd “ Yamandu ao Vivo” – independente –2003
- XI Festival de Música Instrumental da Bahia - 2003
- Festival de Guitarra do Chile - 2003
- Conserto Orquestra de Câmara Theatro São Pedro– Porto Alegre - 2003
- Consertos Dana – Orquestra da Ulbra - Porto Alegre – 2003
- Midem – 37th International Music Market - 2003
- Yamandu e Os irmãos Flores(Argentina)-“Ares e Pensares”Sesc/SP nov/2002
- Prêmio Caras 2002 – Revelação de 2001 - juri oficial e popular
- Circuito Cultural Banco do Brasil – 2002 Turnê pelas capitais do Brasil
- Festival de Verão Litoral Norte - 2002 / Estado de São Paulo
- Festival de Jazz de Londrina – 2002
- 33o.Festival de inverno de Campos de Jordão – 2002
- 32o.Festival de Inverno de Campos de Jordão– 2001
- Free Jazz Festival - 2001 – Rio e São Paulo
- Festival de Guitarra do Chile - 2001
- Lançamento do cd do Prêmio Visa - “Yamandú”– 03/12/2001
- Vencedor do Prêmio Visa Edição Instrumental - 2001
- Circuito Cultural Banco do Brasil –1999 - Participação
- Festival de Nashville - EUA - 1998
- Troféu de Revelação de Música Instrumental do Estado do Rio Grande Sul
- 25o prêmio de melhor instrumentista no Rio Grande do Sul
- Turnê em Buenos Aires e Montevidéu - 1998
- Vencedor do Premio Califórnia de Uruguaiana - 1995

Discografia

2008 - Mafuá
2007 – Lida
2007 – Yamandu + Dominguinhos
2007 – Ida e Volta
2006 – Tokyo Session
2005 – Música do Brasil Vol.I (DVD)
2005 – Yamandu Costa ao Vivo (DVD)
2005 – Brasileirinho
2004 – El Negro Del Blanco (com Paulo Moura)
2003 – Yamandu ao Vivo
2001 – Yamandu (Prêmio Visa)
2000 – Dois Tempos (com Lúcio Yanel)

Yamandú Costa - Choro para Metrônomo.

Yamandu Costa - "Choro loco"

Rafael Baptista Rabello. (Raphael Rabello)

2009-04-04T05:29:00.000-07:00

Rafael Baptista Rabello (Petrópolis, 31 de outubro 1962 — 27 de abril 1995) foi um grande violonista e compositor brasileiro.
Raphael Rabello é uma das maiores referências na história do violão brasileiro. Precocemente morto aos 32 anos, em 1995, deixou uma discografia numerosa e de grande qualidade, contando com 16 discos gravados, alguns solo e outros em duo com grandes nomes da música do Brasil. Virtuose reconhecido internacionalmente, não teve tempo de se dedicar à divulgação da sua própria obra como compositor.

Início:

Raphael Rabello nasceu em uma família musical: sua irmã Luciana Rabello se tornou conhecida com o seu cavaquinho, e seu primeiro professor de violão foi um irmão mais velho. ele também tomou lições de violão com Jaime Florence (o famoso "Meyra", que também deu aulas à Baden Powell nos anos 40). Ele passou a tocar o violão de sete cordas influenciado por Dino 7 Cordas. Ele já tocava profissionalmente em sua adolêscencia, sua primeira aparição como coadjuvante foi aos 14 anos, em uma gravação de choro pelo violonista clássico Turibio Santos.
Raphael teve aulas com o lendário Dino 7 Cordas, com quem gravou um LP em 1991. Raphael, por um tempo, dedicou-se somente ao violão de sete cordas, chegando, inclusive, a adotar o nome " Raphael 7 Cordas " (o mesmo nome de seu primeiro LP). No início dos anos 80, ele participou como instrumentista em famosas gravações de samba como por exemplo: "Minha Missão", de João Nogueira. Ele desenvolveu um ritmo de samba para violão que é reproduzido por diversos violonistas de hoje em dia.[carece de fontes?]
Sobre Raphael, Dino disse: “Ele não tem limitações. Técnica, velocidade, bom gosto harmonico, um artista completo.”

Revelação:

Seus anos mais produtivos foram entre 1982 e 1995. Ele foi considerado por muitos, o melhor violonista de sua geração. Raphael tocava muitos estilos distintos, mas era especializado em choro.
Ele participou de concertos e gravações com famosos musicos brasileiros, tais como Tom Jobim, Ney Matogrosso, Jacques Morelenbaum e Paulo Moura, como também instrumentistas internacionais, como por exemplo Paco de Lucia.

Anos finais:

Em 1989 Raphael se envolveu em um acidente de carro e sofreu múltiplas fraturas em seu braço direito. Para a surpresa de muitos, ele recuperou-se completamente e continuou a tocar como antes. Porém, por conta deste acidente, ele teve que fazer uma transfusão de sangue, e foi tragicamente contaminado pelo vírus do HIV. Sua vida mudou completamente depois disso, ele se tornou um viciado em cocaína e álcool, passava noites inteiras usando drogas e tocando violão. Morreu de infecção generalizada em 27 de abril de 1995.

Legado:

Rabello teve 2 CD's gravados em sua homenagem e uma escola nomeada com seu nome. O último trabalho feito em sua homenagem, era o que ele se encontrava produzindo antes de sua morte: Um tributo à Lourenço da Fonseca Barbosa, conhecido por "Capiba" (1904–1997). Ele foi um dos arranjadores, também creditado como produtor, tocou grande parte do violão do disco e mesmo, cantou uma das canções. A lista de cantores convidados é realmente impressionante: Chico Buarque, Paulinho da Viola, Gal Costa, Caetano Veloso, Maria Bethânia, Alceu Valença, João Bosco, e Ney Matogrosso.
Alguns violonistas manifestaram suas opiniões sobre Raphael Rabello:
“O melhor violonista que eu já ouvi em anos. Ele ultrapassou as limitações técnicas do violão, e sua música vinha progressivamente de sua alma, diretamente para os corações de quem o admirava.” — Paco de Lucia [2]
“Raphael Rabello foi simplesmente um dos maiores violonistas que já existiu. Seu nível de introspecção no potencial do instrumento só foi alcançado, talvez, pelo grande Paco de Lucia. Ele foi ‘o’ Violonista Brasileiro de nosso tempo, na minha opinião. Sua morte, em uma idade ainda tão jovem e uma perda incrivelmente dolorosa, não apenas pelo que ele já tinha feito, e sim pelo que ele poderia vir a fazer.” — Pat Metheny [3]
“Esse é o CD perdido entre a escassa discografia de Raphael Rabello. É como um sonho se tornando realidade ver esse CD realizado, um dos melhores álbuns de violão solo que eu já ouvi. Uma importante contribuição do violão brasileiro.” — Paulo Bellinati [4]
“Raphael Rabello foi um dos mais notáveis violonistas de todos os tempos. A sua "pegada" era muito expressiva e confiante, com interpretações vibrantes e técnica exuberante. A contribuição dele foi essencial, deixando uma das mais ricas e memoráveis páginas na historia do violão brasileiro.” — Marco Pereira [5]
“Se o violão tem se estabelecido mais uma vez como a principal voz instrumenal da música moderna brasileira, muito do crédito pode ser dado a Raphael Rabello…” — Mark Holston, Guitar Player Magazine [6]
“Ele foi um incrível violonista. Eu nunca vi igual... ele foi único.” — Francis Hime, Guitar Player Magazine [7]
“ Esse é um dos melhores violonistas que eu já ouvi.” — Lee Ritenour, JazzTimes Magazine
“ Raphael era um amigo muito próximo. Quando eu o conheci, eu fiquei impressionada com o seu talento. Eu estava estonteada pela sua genialidade.” — Gal Costa

Discografia:

Mestre Capiba (2002) (Lançamento póstumo)
Amélia Rabelo & Raphael Rabello (2001) (Lançamento póstumo)
Raphael Rabello & Armandinho em Concerto (1997)
Brasil Musical - Série Música Viva - Armandinho E Raphael Rabello (1996)
Relendo Dilermando Reis (1994)
Cry, My Guitar (Gravado em 1994, lançado postumamente)
Delicatesse - Raphael Rabello e Déo Rian (1993)
Dois Irmãos - Raphael Rabello e Paulo Moura (1992)
Todos os Tons - Raphael Rabello (1992)
Shades of Rio - Romero Lumambo e Raphael Rabello (1992)
Todo o Sentimento - Raphael Rabello e Elizeth Cardoso (1991)
Raphael Rabello e Dino 7 Cordas (1991)
À Flor Da Pele - Ney Matogrosso e Raphael Rabello (1990)
Raphael Rabello (1988)
Raphael Rabello Interpreta Radamés Gnattali (1987)
Raphael 7 Cordas (1982)
Tributo a Garoto - Radamés Gnattali e Raphael Rabello (1982)
Os Carioquinhas no Choro (1977)

Fonte: [Wikipédia]
Edição: [Ygor Furtado]

Armandinho & Raphael Rabello: Noites Cariocas.

RAPHAEL RABELLO: ODEON

Horondino José da Silva.(Dino 7 Cordas)

2009-04-03T12:00:00.000-07:00

Horondino José da Silva, conhecido como Dino 7 Cordas, (Rio de Janeiro, 5 de maio de 1918 — Rio de Janeiro, 27 de maio de 2006) foi um violonista brasileiro reconhecido como maior influência do violão de 7 cordas, instrumento musical no qual desenvolveu sua linguagem e técnica. Foi também um dos maiores instrumentistas de choro.
Nasceu na rua Orestes, no bairro carioca do Santo Cristo. Filho de Caetano José da Silva, fundidor do Lóide Brasileiro, e de Cacemira Augusta da Silva, conhecida pelo apelido de Filhinha. Seu registro de nascimento foi feito em agosto, motivo pelo qual em algumas obras importantes está consignada a data de 5 de agosto como sendo a de seu nascimento. Sua relação com o violão vem desde a infância. Seu pai era violonista amador, assim como outros amigos que freqüentavam a casa. Estava sempre atento ao movimento musical ao qual prestava enorme atenção. Começou a praticar inicialmente o bandolim, que abandonou pouco depois pelo violão.
Ao terminar o curso primário, empregou-se como operário em uma confecção de calçados.

"Sou um autodidata, nunca tive professor de violão".

O pai de Dino era violonista amador, e em sua casa havia também outros instrumentos musicais; um de seus irmãos tocava cavaquinho, e o outro (Jorginho) tocava pandeiro.

Por volta dos oito anos de idade, Dino começou a dedilhar o bandolim, logo trocado pelo violão do pai. Escutando o rádio, imitando, tirando de ouvido, em pouco tempo Dino passou a dominar o instrumento.
Somente na década de 1940 resolveu estudar mais formalmente, e teve aulas de teoria musical.

Depois de um início semiprofissional, acompanhando o cantor Augusto Calheiros, o Patativa do Norte, em circos e teatros, durante meados da década de 1930, Dino ingressou, em 1937, no Regional de Benedito Lacerda, que era o grupo de maior prestígio da época.
Permaneceu com o Regional até a década de 1960, quando se juntou ao Conjunto Época de Ouro, de Jacob do Bandolim. Durante esses quinze anos, participou das célebres sessões com Pixinguinha e Benedito Lacerda, gravou dezenas de discos, viu o Regional de Benedito Lacerda se transformar em Regional do Canhoto – após o afastamento de Benedito – e acompanhou todos os grandes nomes da era do rádio, como Carmen Miranda, Francisco Alves, Orlando Silva e Silvio Caldas.

A formação mais constante do Regional tinha Altamiro Carrilho (flauta), Meira e Dino (violões de seis cordas), Popeye (pandeiro), e Canhoto (cavaquinho).

Dino e Meira se tornaram uma espécie de grife no mundo do samba e do choro, sendo incontáveis as gravações das quais participaram durante três décadas, com e sem o Regional de Canhoto.

Em 1961, já com o nome artístico de Dino Sete Cordas, passou a fazer parte do Jacob e seu Regional, com Cesar Faria e Carlos Leite (violões de seis cordas), Jonas Silva (cavaquinho) e Jorginho do Pandeiro. Em 1966, Jacob considerou que a música que faziam não era mais a música dos regionais, e rebatizou o grupo como Conjunto Época de Ouro, que muitos consideram o principal conjunto de choro de todos os tempos. Com ele, Dino viveu o primeiro ápice de sua carreira, marcado pelo disco “Vibrações”, e pela apresentação do grupo gravada ao vivo no Teatro João Caetano, com Elizeth Cardoso e Zimbo Trio.

Seguiu-se um período de ostracismo, após o falecimento de Jacob, em 1969. Todos os espaços haviam sido tomados pelo rock e pela nascente MPB. "Eu passei a tocar guitarra porque já não era mais chamado para tomar parte em gravações. Aí me chamaram e eu passei a tocar com o Paulo Barcelos, que tinha um conjunto de bailes e tocávamos todo fim de semana. Eu defendia. Mas ficava muito triste e chateado, porque eu gostava do choro, que estava em baixa".

O retorno aconteceu em meados da década de 1970, com o “renascimento” do choro a partir do disco “Nervos de Aço” e do show “Sarau”, ambos de Paulinho da Viola, em 1973. Logo em seguida, faria os arranjos dos primeiros discos de Cartola, consolidando o segundo ápice de sua vida musical.

A partir daí, retomou a carreira com o Época de Ouro, que prosseguia com Déo Rian e, depois, Ronaldo do Bandolim em lugar de Jacob. Além disso, tornou-se um dos músicos de estúdio mais requisitados pelos principais cantores de samba e MPB.
No ano de 1991 gravou seu único disco como protagonista: "Raphael Rabello & Dino 7 Cordas", reunindo o mestre e seu principal discípulo em clássicos do choro.

Durante quinze anos, entre 1937 e 1952, Dino tocou o violão tradicional, de seis cordas, e foi com ele que participou das gravações históricas de Pixinguinha e Benedito Lacerda no final da década de 1940. Ou seja, antes de se dedicar inteiramente ao violão de sete cordas, Dino já era um violonista completo e conhecia os segredos do violão de seis cordas.

Mais ainda, tinha como parceiro no Regional de Benedito Lacerda o violonista Meira, com quem já formava a dupla de violões do conjunto. Na distribuição de funções entre eles, Meira cuidava principalmente da harmonização, do centro, enquanto Dino fazia as inversões de acordes e os baixos.

Para violonistas como Mauricio Carrilho, essa experiência foi importante para o desenvolvimento da linguagem do instrumento.

"A minha opinião é que ele sofreu muita influência de Pixinguinha, na época em que ele fazia duetos com Benedito Lacerda. O Pixinguinha no saxofone fazia o contraponto, mais grave, como faria mais tarde o Dino com o sete cordas." (Maurício Carrilho)

"De certa forma o Dino assumiu o papel do sax tenor do Pixinguinha." (Luiz Otávio Braga)

“Tudo o que ele [Pixinguinha] fazia, eu fazia”. (Dino)

O violão de sete cordas era usado no choro desde o início do século XX. Os dois executantes mais conhecidos eram China (que morreu cedo), irmão de Pixinguinha, e Tute, que tocou em diversos conjuntos liderados por Pixinguinha, como Os Oito Batutas, Grupo da Guarda Velha e Orquestra Victor.

Tute era a maior admiração de Dino: "Eu achava lindo o Tute tocando aquele violão, mas não queria que ele pensasse que eu o estava imitando, então só comecei a tocar sete cordas depois que ele morreu. [...] Eu gostava do som do Seu Tute [...] e passei para o sete cordas.”

Pixinguinha deixou o Regional de Benedito Lacerda e, pouco depois, o próprio Benedito se afastou, sendo substituído por Altamiro Carrilho. Tute havia morrido. E Dino resolveu, enfim, adotar o violão de sete cordas, para reeditar os contrapontos de Pixinguinha e suprir a falta dos graves no então denominado Regional do Canhoto.

Entretanto, só depois de nove meses tocando o novo instrumento com o Regional é que Dino se arriscou a utilizá-lo numa gravação.

A partir daí, a partir de um amálgama das influências de Tute, dos diálogos com Meira, da experiência com os contrapontos de Pixinguinha e Benedito Lacerda, Dino desenvolveu a sua linguagem própria, que veio a se transformar na própria linguagem do violão de sete cordas moderno.

"Dino deu a maior contribuição no violão de sete cordas. Ele estabeleceu definitivamente o papel dos dois violões na formação regional. Dino começou a tocar o sete cordas na década de 1950, e acho que ele foi desenvolvendo essa linguagem, e nos anos 60 estava na auge. Tem uma gravação que eu particularmente considero um divisor de águas. É um disco de 1964, de Altamiro Carrilho, chamado ‘Choros Imortais’. No repertório tem muitas músicas de Pixinguinha, sem o Pixinguinha tocando, e o Dino faz o contraponto, de uma maneira que eu considero um marco. Nessa época, ele já usava a sétima corda de uma forma mais doce, mais macia, menos metálica." (Maurício Carrilho)

Uma das técnicas criadas por Dino Sete Cordas é conhecida como violão tamborim – “essa batida caracteriza-se pela execução em pizzicato, enfatizando a sonoridade percussiva do instrumento. [...]

“Na introdução de ‘Corra e olhe o céu’, no quinto compasso, Dino começa a apresentar a técnica do ‘violão tamborim’, que usará em toda a música, em que os dedos indicador e médio desenvolvem uma rítmica bastante articulada e sincopada, e o polegar divide sua função entre marcar tempo em semínimas e sincopar – muitas vezes, em seqüências de colcheias pontuadas.” (Márcia Taborda)
Dino dominou de tal forma a “baixaria” do choro e do samba que raramente se limitava a tocar o que havia ensaiado; seu violão é marcado pelo improviso, pelo risco, pela experimentação de motivos, ritmos e contrapontos, porém sem qualquer exagero – o violão de Dino borda a melodia do solista ou do cantor, sem jamais atravessar o seu caminho.

Como compositor, Dino usava seu nome verdadeiro, Horondino Silva. Teve poucas composições gravadas.

Entre as que tiveram gravações instrumentais, a mais conhecida é “Aperto de mão”, escrita com seu maior parceiro musical, Meira, e letra de Augusto Mesquita. Foi gravada instrumentalmente, entre outros, por Canhoto e seu Regional e Marcel Powell.

Além dela, outros exemplos são:
“Bem dançante” (em parceria com Orlando Silveira), gravada por Canhoto e seu Regional
“Gingando” (em parceria com Canhoto), gravada por Canhoto e seu Regional
“Inês” (em parceria com seu filho Dininho), gravada por Avena de Castro
“Ivone” (em parceria com Altamiro Carrilho), gravada por Canhoto e seu Regional
“Minha crença” (em parceria com Del Loro), gravada pelo Conjunto Época de Ouro
“Roda de Bamba” (em parceria com Canhoto), gravada por Canhoto e seu Regional
“Se você visse” (em parceria com Del Loro), gravada por Canhoto e seu Regional
Todas as suas composições são choros e canções típicos e tradicionais, praticamente desconhecidas, que só esporadicamente aparecem no repertório dos chorões.

“O Cartola tocava violão – mal, mas tocava – e eu ia escrevendo. Aí, comecei a fazer os arranjos. Trocava acordes, fazia diferente do que ele fazia. Fazia os baixos ... Eu harmonizei tudo, e passaram a dizer que era arranjo meu”.

Dino foi o responsável pelos arranjos dos dois primeiros discos de Cartola lançados pela gravadora Marcus Pereira em 1974 e 1976.
Também são de Dino, em parceria com Raphael Rabello, os arranjos do disco que os dois gravaram juntos, e em numerosos outros discos de samba e choro do qual participou, e pelos quais não recebeu crédito de arranjador.

Em seus últimos anos de vida dava aulas de violão.
Morreu de pneumonia em 27 de maio de 2006 no Hospital do Andaraí. O corpo foi velado e sepultado no cemitério São João Batista, no bairro de Botafogo.

Discografia

"Se eu tivesse todos os discos em que gravei, eles não caberiam nesta casa".

Apesar disso, o fato é que em toda a sua carreira Dino só teve seu nome estampado no título de um único disco: “Raphael Rabello & Dino 7 Cordas”, da gravadora Caju Music, no ano de 1991. Como solista, não gravou um disco sequer.

No entanto: “Quando as pessoas perguntam pra mim como devem estudar violão de sete cordas, eu respondo que devem ouvir “Vibrações”, “Choros Imortais I e II” e os dois discos do Cartola da Marcus Pereira. Está tudo ali." (Paulão Sete Cordas)

Esta é uma espécie de antologia de Dino Sete Cordas:
“Choros Imortais (Copacabana, LP/1964), de Altamiro Carrilho, com acompanhamento de Canhoto e seu Regional
"Choros Imortais no. 2" (Copacabana, LP/1965), de Altamiro Carrilho, com acompanhamento de Canhoto e seu Regional
“Vibrações” (RCA Victor, LP/1967), de Jacob do Bandolim e Conjunto Época de Ouro
"Cartola" (Marcus Pereira, LP/1974)
"Cartola" (Marcus Pereira, LP/1976)

“Violões do Brasil”: organização, Myriam Taubkin; textos, Maria Luiza Kfouri. 2ª edição: Editora SENAC, São Paulo, Edições SESCSP, 2007

Fonte: [Wikipédia][http://musicosdobrasil.com.br/dino-sete-cordas]
Edição: [Ygor Furtado]

Dino 7 Cordas (Horondino da Silva) + Déo Rian + Paulinho da Viola + César Faria & outros imortais.

Homenagem a Nelson Cavaquinho, samba de Zé Keti, com Dino 7 Cordas.

HOMENAGEM AO DINO 7 CORDAS.

Ventura Ramirez

2009-04-03T10:43:00.000-07:00

Ventura Ramirez (Mombuca, 1939) é cantor, compositor e violonista brasileiro. Fez parte do grupo Demônios da Garoa tocando Violão de 7 cordas e também do regional de choro de Carlos Poyares. Em ambos os conjuntos esteve presente também Canhotinho no cavaquinho.
Ventura Ramirez começou sua carreira como calouro no programa de rádio de Hebe Camargo, ainda no final da década de 1950, assinando logo em seguida um contrato de 5 anos com a Rádio Nacional. Com seu talento nato ao violão e voz marcante, Ventura Ramirez logo entrou para o cenário musical brasileiro, acompanhando músicos renomados no choro e seresta, como Nelson Gonçalves, Jacob do Bandolim, Waldir Azevedo, Altamiro Carrilho, Orlando Silva, Luiz Gonzaga, Cartola, Lupicínio Rodrigues, além de participar do regional de choro de Carlos Poyares.
No início da década de 1960, ainda com o violão de 6 cordas, mas já com o seu estilo inconfundível nas “baixarias” que fazia com o instrumento, Ventura Ramirez é convidado a integrar o conjunto Demônios da Garoa, do qual fez parte por diversas vezes até 2005. Pouco tempo depois de entrar no conjunto, Ventura Ramirez adotou permanentemente o violão de 7 cordas, instrumento que o consagrou como um dos seus melhores representantes. Foi ele quem levou pela primeira vez o 7 cordas para os Demônios da Garoa, criando uma das marcas registradas ainda hoje mantidas pelo conjunto, mesmo após o seu desligamento. O 7 cordas surgiu para o artista cedo ainda em sua vida musical, iniciada aos 13 anos de idade, vindo da necessidade que sentia ao achar, ainda cedo, o violão de 6 cordas “limitado”, por ter “poucas” cordas!
Ao longo de sua carreira de mais de 50 anos, Ventura Ramirez, atualmente com 67 anos e puro vigor, recebeu diversos prêmios e honrarias de renomados nomes. Entre eles, está o prêmio Roquete Pinto de Revelação do Ano em 1960, o Oscar da música brasileira há alguns anos. Naquele ano, Ventura Ramirez recebeu a notícia que fora premiado pelo apresentador Silvio Santos, seu então companheiro de Rádio Nacional e com quem excursionou pelo Brasil com a famosa “Caravana do Peru que Fala”, grupo de artistas comandado por Silvio Santos e que viajava pelo Brasil divulgando a música brasileira. Como outros importantes prêmios de sua carreira, Ventura Ramirez foi por 3 vezes agraciado com o Troféu Velho Guerreiro, do saudoso Chacrinha, sendo duas vezes solo e uma com os Demônios da Garoa; 14 vezes recebeu o diploma de Melhor da Semana pelo comunicador Helio Souto e outros diversos prêmios de grêmios estudantis, da Casa da Fazenda e da Secretaria de Cultura de São Paulo.
Ventura Ramirez é considerado um dos melhores violões de 7 cordas pela crítica musical do Brasil, com uma agilidade e domínio das cordas pouco vistas até os dias de hoje. Além de violonista e cantor, Ventura Ramirez é compositor e arranjador, tendo já várias músicas gravadas ao longo da discografia dos Demônios da Garoa e de outros artistas de renome no cenário nacional, como Waldick Soriano.
Em sua carreira solo, Ventura Ramirez já gravou diversos discos, sendo o mais recente deles o CD “Tributo a Nelson Gonçalves”, pela gravadora ZAN. Nelson foi seu amigo e companheiro musical, sendo, fora dos Demônios da Garoa, o cantor de cujas gravações mais participou. Seu timbre forte lembra bastante a voz do grande Nelson em seus momentos de mais forte vigor vocal. Ainda nos tempos dos LPs, Ventura Ramirez tem registrados 3 discos, sendo dois cantando e um instrumental com o violão de 7 cordas. Recentemente, Ventura Ramirez gravou também com artistas atuais do cenário musical brasileiro, como os consagrados Ivan Lins e Guilherme Arantes.
Como fiel representante da música tradicional brasileira, de um tempo áureo em que os artistas tinham necessariamente que ter talento e técnica, em seus shows, Ventura Ramirez passeia pelo repertório da seresta e dos grandes cantores de rádio, como Nelson Gonçalves, Orlando Silva e Silvio Caldas, além de, com o seu violão de 7 cordas, representar os maiores clássicos do choro e, é claro, do bom samba, tudo no melhor estilo de um dos mais importantes violonistas da história da música popular brasileira.

Fonte: [Wikipédia]

Edição: [Ygor Furtado]

Ventura Ramirez(Violão de 7 Cordas) & Eduardo Sant'Anna( Cavaquinho de 5 Cordas): Pedacinhos do Céu.

Ventura Ramirez(Violão de 7 Cordas) & Eduardo Sant'Anna( Cavaquinho de 5 Cordas): Delicado.

Artur de Souza Nascimento. (Tute)

2009-04-03T10:10:00.000-07:00

Artur de Souza Nascimento, conhecido como Tute (Rio de Janeiro, 1 de Julho de 1886 – 15 de junho de 1957), foi músico, violonista de 6 e 7 cordas, bandolinista e banjoista brasileiro.
Na sua juventude fez parte da banda do Corpo de Bombeiros sob a regência de Anacleto de Medeiros. É considerado o introdutor do violão de 7 cordas (com a sétima corda afinada em dó) nos conjuntos regionais de choro dos quais fez parte.

Tute é mais um dos músicos brasileiros que tiveram sua formação musical ligada às bandas marciais.Começou muito jovem sua carreira na banda do Corpo de Bombeiros sob a regência de Anacleto de Medeiros, como executante de bombo e pratos.
O violão (de seis e sete cordas). o bandolim e o banjo vieram depois -- num aprendizado auto-didata, ou com professores cujos nomes se perderam no tempo.

"Eu achava lindo o Tute tocando aquele violão, mas não queria que ele pensasse que eu o estava imitando, então só comecei a tocar sete cordas depois que ele morreu. [...] Eu gostava do som do Seu Tute [...] e passei para o sete cordas.” (Dino Sete Cordas)

O violão que Tute tocava, com sete cordas de metal, não tem sua origem definida. Bem antes de ser adotado por Tute e China (irmão de Pixinguinha) – os pioneiros no uso do violão de sete cordas no Brasil –, era um instrumento popular na Rússia, embora com afinação diferente.

Algumas fontes indicam ciganos russos que freqüentavam a casa da Tia Ciata – um dos berços do samba – no Rio de Janeiro possam ter introduzido o instrumento aqui. Outros levantam a hipótese de que Tute tenha importado um desses violões da França, ou encomendado o seu sete cordas a algum luthier do Rio, buscando um instrumento com notas mais graves.

Tute e China usavam o sete cordas com a sétima corda afinada em dó. Em lugar das cordas de tripa tradicionais, deram preferência às cordas de aço, sendo a sétima corda “emprestada” do violoncelo.

“A corda de aço também foi uma necessidade de época, já que, no início não havia amplificação para os instrumentos. Essa corda, tocada com dedeira no polegar, produz um volume muito mais intenso, permitindo que seja ouvida mesmo em ambientes como o de um circo, entre um flautim e um bombardino. Violonistas como Tute e Dino, de toque firme, também eram admirados pela sonoridade que conseguiam extrair e por poderem ser ouvidos com seus instrumentos em meio ao grupo.” [Remo Tarazona Pellegrini]

O surgimento do violão de sete cordas nos grupos de choro marca o declínio do uso da tuba ou do trombone para fazer os baixos. Com seu “novo” instrumento, Tute participou de vários grupos, como o de Chiquinha Gonzaga, Gente Boa, Grupo da Velha Guarda, Os Cinco Companheiros, Orquestra Copacabana e Orquestra do Teatro Rio Branco, fazendo com que pouco a pouco se tornasse essencial.

Para Luperce Miranda, Tute era um violonista pé-de-boi, de som forte, firme no acompanhamento, permitindo que os solistas tivessem mais liberdade na interpretação e na improvisação. Juntos, participaram de várias gravações, inclusive o registro original de “No tabuleiro da baiana”, de Ary Barroso, com Carmen Miranda e Luiz Barbosa.

Acima de tudo, tal como Dino, Tute foi um violonista de “base”, sem pretensões de ser o protagonista.

A principal diferença entre Tute e Dino Sete Cordas, que o sucedeu, está em que Tute marcava os baixos e usava notas de passagem, enquanto que Dino trouxe para o instrumento características contrapontísticas e harmônicas sofisticadas, repletas de inversões, figuras rítmicas e variações até então inéditas no choro.

Tute tocava também violão de seis cordas, bandolim e banjo, mas nenhum deles era seu instrumento de preferência, e todos tiveram pouca importância em sua carreira.

A carreira de Tute vai desde o final da década de 1900 até o início da década de 1950: quase 50 anos de música.

O começo foi no início do século XX, na Banda do Corpo de Bombeiros do Rio de Janeiro, como percussionista, regido por Anacleto de Medeiros.

Em meados da década de 1900, aparece tocando já aparecia tocando o sete cordas no Grupo Chiquinha Gonzaga, e participa também de diversos outros grupos daquela época.

Na década de 1910, como violonista da Orquestra do Teatro Rio Branco, foi ele quem apresentou Pixinguinha – na época, com 15 anos – ao maestro Paulino Sacramento, abrindo as portas para que Pixinguinha tocasse pela primeira vez numa orquestra.

Mais adiante, aparece tocando com o Choro Carioca e o Grupo Carioca, os primeiros conjuntos organizados por Pixinguinha. Ao contrário do que aparece em diversas fontes, não foi integrante dos Oito Batutas, cujo violão de sete cordas estava a cargo de China, irmão de Pixinguinha.

Entre 1929 e 1945, manteve uma longa colaboração com Luperce Miranda, no disco e nas Rádios Nacional e Mayrink Veiga, participando do seu regional, acompanhando músicos – como Luiz Americano – e cantores – como Francisco Alves, Carmen Miranda, Mário Reis e Orlando Silva – em apresentações ao vivo e gravações.

Chegou a tocar e gravar em duo com o violonista Laurindo Almeida, então em início de carreira.

Tute não tem discografia própria.

Nos primeiros discos da Banda do Corpo de Bombeiros do Rio de Janeiro – responsáveis por algumas das primeiras gravações em disco no Brasil – é quase certo que Tute esteja presente, embora sem seu violão. Na Banda, ele era percussionista.

Ele pode ser ouvido, com certeza, em:

“Chiquinha Gonzaga – A Maestrina” (Revivendo, CD/1999). Aqui, Tute aparece como parte do Grupo Chiquinha Gonzaga, em gravações do início de sua carreira, nas décadas de 1900 e 1910
“Memórias Musicais – CD 6 – O Passos no Choro” (Biscoito Fino, CD/2002) no qual Tute aparece como parte do grupo de Antonio Maria Passos, chamado O Passos no Choro – provavelmente com a mesma formação do Grupo Chiquinha Gonzaga, porém sem a participação da maestrina
“Memórias Musicais – CD 2 – Conjunto Choro Carioca e Grupo Carioca” (Biscoito Fino, CD/2002). Aqui, Tute aparece como parte dos grupos de Pixinguinha, em gravações da década de 1910

Para ouvi-lo em gravações da década de 1930, pode-se acessar o site do Instituto Moreira Sales. Ali há gravações nas quais ele aparece como acompanhante em muitos 78 rpm, principalmente em dupla com Luperce Miranda.
Embora tenha permanecido na ativa até quase o final da vida, a sua participação em discos instrumentais da década de 1940 praticamente inexiste.

A obra conhecida de Tute como compositor é mínima, apenas três obras que nunca chegaram a fazer parte do repertório dos chorões:
"Sonhos de Nair"
"Pra frente é que se anda"
"Alma e coração"

Fonte: [Wikipédia][http://musicosdobrasil.com.br/tute]
Edição: [Ygor Furtado]

Violão de 7 Cordas no Brasil!.(01)

2009-04-03T09:08:00.000-07:00

O violão de 7 cordas é um instrumento musical, consistindo de uma alteração do violão tradicional (com 6 cordas) ao adicionar uma corda, mais grave que as demais. Originalmente, a corda adicionada era uma de violoncelo, afinada em dó, e necessitava o uso de uma dedeira no polegar. Mais tarde começou-se a usar uma corda grave, afinada em si, feita como as demais cordas graves (bordões) do violão. Muitos violonistas utilizam, no choro, a sétima corda afinada em dó visto que existem muitos choros na tonalidade de dó e poucos em si. Assim um bordão com essa nota em corda solta facilitaria bastante a montagem de acordes e o desenvolvimento de frases na baixaria.
Segundo Raphael Rabello: "No estilo choro, o violão caracteriza-se por frases de contraponto geralmente em escala descendente, utilizando-se somente as cordas graves. Daí o nome baixaria. Tute sentia necessidade de algumas notas mais graves, daí a idéia de colocar uma corda a mais nos bordões." É bom ressaltar que a baixaria do 7 cordas dá à música um sentido de continuidade, caracterizado pela presença de contracantos com a melodia".
Após a morte de Tute, Dino 7 Cordas seguiu seus passos, se tornando uma das maiores referências no instrumento, ao lado também de Ventura Ramirez.

Fonte: [Wikipédia]

Edição: [Ygor Furtado]

Luthiers!, Reformas e Construção.

2009-04-02T20:55:00.000-07:00

Quando se pensa em comprar um instrumento de 7 cordas, logo se vem a cabeça as marcas: Ibanez, Shecter, ESP, Eastman, JB... Ou Até mesmo marcas mais "Acessíveis" como: Condor, Shelter, Golden, Di Giorgio, Rozini, Giannini...
Mais muitas vezes esses instrumentos não são aquilo que agente realmente espera ou procura, e isso acaba muitas vezes fazendo com que agente, acabe tendo que trocar alguma peça, tipo: Captador, Ponte, Trastes..., para atender as nossas necessidades, isso acaba sendo mais um gasto que teremos que ter com o instrumento. Pensado nisso, eu venho aqui neste meu primeiro post, postar alguns sites de luthiers que fazem belos instrumentos e com um preço bem legal, assim você pode encomendar um instrumento que seja aquilo que você queira e precise. Além disso, um instrumento construido por um bom luthier é incomparavélmente melhor do que um instrumento construído em série, isso porque ele é construído com todo o cuidado e dedicação e não por maquinas. Bom, no brasil nós temos ótimas matérias-primas, e também temos ótimos luthiers, Aliás, Alguns até são os melhores do mundo!. Então sem mais "delongas", Ai vão os sites deles!:

Gustavo Monteiro Laje:
http://gmlluthier.vilabol.uol.com.br/concert.htm

Antônio de Pádua Gomide:
http://www.apgomide.com/

Samuel Carvalho:
http://www.samuelcarvalho.net/home/index.asp?id=113

Edmar Luighi:
http://www.edmarluighi.com.br/

João Batista Trajano dos Santos (JB):
http://www.jbinstrumentos.com.br/

Luthierias que aceitam encomendas:

http://www.zabotto.com/

http://www.ledur.net/

Fabricação do Violão (Em Série)

Madeira, Cordas, Violão!!! (Luthier)